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Producción de cine

«Lo primero es la calidad del corto, eso va por encima de todo»

Nacho Solana, director de cortometrajes

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Nacho Solana estudió Dirección en la ECAM antes de trabajar en los departamentos de producción, montaje y realización de numerosos proyectos audiovisuales, casi siempre con la productora cántabra «Burbuja Films». En el mundo del cortometraje se estrenó en 2008 con «#7 «, una comedia histórica que funcionó muy bien y fue seleccionada en más de 70 festivales. A partir de ahí muchos proyectos más. «On My Mind», «Intercambios», «Aptitudes», «Namnala»…

Después de haber firmado ya varios cortometrajes, ¿qué te anima a seguir escribiendo y rodando nuevos cortometrajes?

Aunque suena a tópico, lo único que puedo responder a por qué hago cortos es porque no tengo más remedio. No hay nada que me guste más que dirigir ficción, desde el desarrollo del proyecto, hasta el estreno y distribución. Me encanta. Si tuviera más tiempo, y más dinero, haría más cortos, y largometrajes, y todo lo que pudiera desarrollar. Puede parecer con esta respuesta que me vale con dirigir cualquier idea, pero tampoco es eso, es que las ideas que me enganchan, tiran de mí hasta que consigo sacarlas adelante.

¿Qué dificultades tiene un director de cortos para sacar su proyecto adelante?

Lamentablemente muchas. La respuesta que resume todas es la falta de dinero, que desemboca en otras dificultades. Al no haber dinero, ni posibilidad de sacar rendimiento económico a un corto, empiezan a aparecer problemas de agenda, porque no puedes dedicarte solamente a hacer cortos, problemas de equipo técnico, porque no puedes tener todo lo que tu historia necesita, y problemas de equipo humano (técnico y artístico), porque no puedes pagarles. Y una vez que el corto está rodado los problemas siguen, sin dinero la edición suele posponerse mucho tiempo, y también falta a menudo dinero para la distribución y promoción. Pero no he venido a quejarme, yo siempre he pensado que hay que tirar para adelante, con dinero y sin dinero. Hay ideas muy baratas para cuando no se tiene un duro.

Por cierto, ¿Es rentable hacer un corto? ¿Cuanto cuesta de media ?

No. Sin peros. Hay una idea generalizada de que con un corto ganas premios y te puedes forrar, pero no es así. Cada año salen igual uno, o dos cortos que consiguen cubrir con premios el dinero invertido, pero a mí no me ha pasado nunca. Ninguno de mis cortometrajes han recuperado el dinero invertido de mi bolsillo, ni siquiera el primero “#7” que ganó cuatro premios y circuló por un montón de festivales.

En cuanto al valor medio de un corto, yo creo que no se puede poner una cifra que aplique a nivel general. Mi cortometraje más caro “Namnala” me costó, sin contar distribución, 5.000€, pero “Intercambios”, que funcionó muy bien, ¡costó sólo 4€! Y yo no he tenido la suerte de conseguir producciones así, pero he estado en rodajes de cortometrajes con 30.000, 50.000 y más de 100.000€ de presupuesto. Estas cifras de todas maneras, están “amañadas”. Al no cobrar el equipo técnico y artístico, y tirar de material de la productora con la que colaboro, “Burbuja Films”, consigo sacar adelante todos los proyectos. Sin su ayuda yo no podría hacer esto.

¿Crees que en España se valora el cortometraje?

A nivel de público creo que cada día se valora más. Durante los últimos años han proliferado las plataformas online para visionado de cortos y los festivales. Cada día hay más público que sabe que existimos y que disfruta los cortometrajes, aunque sea en su casa. Sin embargo a nivel institucional (y no digamos industrial) la valoración es casi nula. Puedes haber hecho decenas de cortos que se hayan visto y aplaudido en todo el mundo, pero si no tienes un largometraje, parece que no eres nadie. ¡Y en España tenemos muy grandes cortometrajistas!

«Aptitudes» y «Namnala», tus dos últimos cortometrajes, están justo ahora viajando de festival por festival. ¿Los cortometrajes se hacen solo pensando en los festivales?

No y sí. En mi caso la motivación inicial no es, “voy a hacer un corto, que no tengo nada para mover por festivales”, la motivación es contar la historia y sacarla adelante, aprender haciéndolo y tener un resultado del que sentirse orgulloso. Pero una vez terminado, aunque hay una pequeña ventana para vender los cortometrajes o colgarlos en plataformas de Video On Demand, la verdad es que el único circuito por el que promocionar tu trabajo son los festivales.

Tu primer cortometraje, «#7», fue seleccionado en mas de 70 festivales internacionales. ¿Puedes explicarnos cómo conseguir mover un cortometraje con éxito?

¡Ojalá supiera cómo hacerlo! “#7” funcionó de maravilla, pero mis siguientes cortos no siempre han funcionado tan bien. El éxito en festivales surge de un equilibrio entre la calidad del corto, su duración, su género, su temática, sus actores… hay mil variables. Y saber moverlo, ¡claro! “#7” lo empecé moviendo yo, sin tener apenas idea, con bases de datos online de festivales de cortos, pero en cuanto empezó a despegar lo puse en manos de una distribuidora especializada.

¿Qué crees que valoran más los festivales a la hora de seleccionar una pieza ?

Lo primero es la calidad del corto, eso va por encima de todo. Luego va el género y la temática, en cada festival tienen que encontrar un equilibrio para su programación, y les viene bien cumplir una cuota de comedia, de cine social, de drama, de cine de género… El palmarés previo del corto es muy importante, las selecciones son como una bola de nieve rodando por una ladera, la primera es difícil, pero en cuanto empiezan a acumularse, caen con más rapidez. La duración también es importantísima. Es más fácil que encajen en una programación apretada un corto de 5’ que uno de 15’. Luego están los actores, que pueden ser un buen tirón para algunos proyectos.

Por cierto, ¿Qué consejo le darías a la gente que esta empezando en el mundo del cortometraje?

Empiezo la entrevista y la acabo con un topicazo. Hacer cosas sin parar. Si tienes dinero, hazlas grandes, y si no lo tienes, pequeñas. El cine está en la mano de todo el mundo, y si quieres hacer cortos, aunque los libros y las escuelas están estupendas, lo único que verdaderamente necesitas, es organizar las ideas, buscar ayuda de compañeros y lanzarte a hacerlo.

Licenciado en Comunicación Audiovisual, Master MBA y Master en Administración de Industrias Culturales. A lo largo de mi vida laboral he participado en la producción de diversos proyectos audiovisuales de televisión, publicidad, video digital y cine tanto en España como en Reino Unido, Perú y México. Desde 2018 trabajo en el departamento de producción de Morena Films (Madrid).

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3 Comentarios

3 Comments

  1. Maria

    06/06/2014 el 20:11

    Muy buena entrevista !

    • Rodrigo Espinel

      06/06/2014 el 20:22

      Gracias María !

  2. pedro

    11/06/2014 el 03:53

    cuando se habla de la calidad de un corto, habría que especificar que lo que se valora, injustamente, es la calidad
    técnica, es decir, los medios y el dinero que se han invertido, pero no la calidad artística, el saber desarrollar una historia, su originalidad, y su contenido más allá de la anécdota. Así, no es de extrañar que el cine sea un fenómeno agotado, a excepción de las superproducciones. Al poder no le interesa la creación, ni la poesía, ni la cultura, ni a sus perros críticos, pagados por él, tampoco. El cine ha muerto, ¡viva el cine de autor!

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Finaliza el rodaje del documental sobre la mítica banda de rock «Tequila»

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Los supervivientes de la mítica banda Tequila, junto con otros muchos personajes míticos de la premovida, acaban de terminar el rodaje de un documental en el que repasan la historia del grupo de rock que a finales de los 70 se convirtió en un auténtico fenómeno de masas gracias a su sonido y su imagen rompedora.

Un documental dirigido por Álvaro Longoria (Premio Goya a Mejor Documental en 2012 y nominado en 2015 y 2016) escrito por el propio Álvaro Longoria junto a Juan Puchades que cuenta la historia del legendario grupo de rock que puso la banda sonora a la liberación de los jóvenes españoles en la transición. Cinco jóvenes que alcanzaron de golpe su sueño de triunfo, convirtiendo a sus canciones en clásicos indestructibles, pero a los que la fama y el éxito destruyó.

Narrado por la actriz Cecilia Roth y con la participación de los miembros de la banda Ariel Rot, Alejo Stivel y Felipe Lipe, cuenta con entrevistas a familiares, amigos y reconocidos nombres del panorama musical español como Álvaro Urquijo, Carlos Tarque, Dani Martín, Miguel Angel Arenas «Capi», Miguel Ríos o Ramoncín entre otros. Tras dos años de rodaje en espacios míticos como la Sala el Sol y Joy Eslava, y la grabación del último concierto de la banda en el Wizink Center de Madrid, el documental narra la fascinante y dramática historia de un grupo que compuso la banda sonora de todo un país. Un relato de juventud y éxito, y del posterior descenso a los infiernos, que merece ser desvelado.

«Tequila. Sexo, Drogas y Rock and Roll» es una producción de Álvaro Longoria y Anna Saura para Morena Films en coproducción con RTVE, con la participación de Movistar Plus + y la colaboración especial de Mahou. Las ventas internacionales corresponden a Latido Films y la distribución en España a  Karma Films que tiene previsto su estreno comercial en cines este próximo otoño.

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Ya puedes ver en Netflix el documental FORMENTOR EL MAR DE LAS PALABRAS

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Netflix acaba de poner a disposición de todos sus usuarios en Europa el documental dirigido por José Luis López-Linares sobre el emblemático hotel ubicado en la bahía de Pollença FORMENTOR, EL MAR DE LAS PALABRAS.

Estrenado en 2020 en el marco del Atlántida Film Fest y ganador del Premio «History and Heritage» del Terres Festival, el documental repasa la historia de este mágico rincón del Mediterráneo que desde que fue fundado hace 90 años por el poeta argentino Adan Diehl, ha sido punto de encuentro de los personajes más relevantes del siglo XX.

En sus habitaciones se han alojado por ejemplo Audrey Hepburn, Charles Chaplin, Dalai Lama, Winston Churchill, Grace Kelly o Rainiero de Mónaco, pero sobre todo escritores como Camilo José Cela, Carlos Barral, Robert Graves o Mario Vargas Llosa, quien escribió mientras estaba alojado en el hotel una de sus novelas más recordadas.

FORMENTOR, EL MAR DE LAS PALABRAS, pone el foco sobre todo en la relación del hotel con el mundo de la cultura a través del testimonio en primera persona de artistas enamorados del lugar como el pianista Lang Lang, el director de orquesta Gustavo Dudamel, la actriz y cantante Jane Birkin, la soprano Ainhoa Arteta y escritores como Roberto Calasso, Annie Ernaux, Carme Riera o el propio Mario Vargas Llosa, entre muchos otros más.

Producido por Juan Gordon y Rodrigo Espinel de Morena Films, la dirección de fotografía es del propio José Luis López-Linares, el guion está firmado por José Luis López-Linares, Cristina Otero y Luis Acebes mientras que Pablo B. Guzmán y Cristina Otero han realizado el montaje.

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¿Una ventana de exhibición de más de 3 meses volvería realmente a llenar las salas de cine?

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Al menos así lo piensan desde la Federación de Cines de España (FECE), asociación empresarial que agrupa a más del 80% del mercado de espectadores de las salas de cine de nuestro país, que ha trasladado esta semana al ICAA la necesidad de establecer una ventana de exhibición de 100 días, para todas las películas que se estrenen en cines, como medida urgente y esencial para garantizar la recuperación de las salas de cine, piedra angular sobre la que se sostiene la industria cinematográfica en su conjunto.

¿Tu qué opinas? ¿Estás a favor de flexibilizar las ventanas o consideras que el futuro está en regular aun más el mercado?

Desde FECE consideran que a raíz de la pandemia y tras el cierre de los cines la ventana de exhibición cinematográfica sufrió una drástica reducción, con lanzamientos en 45 días tras su estreno en salas y hasta estrenos simultáneos, lo que ha lastrado la explotación de las películas en cartelera, creando un gran perjuicio a las salas de cine, desordenando la comunicación de sus lanzamientos y retrasando la recuperación del sector.

En su comunicado resaltan además como otro efecto negativo asociado a la reducción de la ventana la desinformación que se vierte sobre el espectador, al que se le confunde con mensajes contradictorios sobre cuándo y dónde ver las películas, lo que desde su punto de vista es uno de los principales obstáculos a la hora de conseguir la vuelta de los espectadores a las salas.

Argumentan que la explotación ordenada en ventanas genera un impacto inicial y una onda expansiva que crece gracias a este sistema, beneficiando a la industria cinematográfica en su conjunto porque las películas más taquilleras son las que posteriormente se convierten en éxitos de ventas y audiencia en los canales posteriores.

Personalmente tengo mis dudas de que este planteamiento tenga sentido realmente para todo tipo de películas. Sin duda hace más rentable la explotación de los títulos más potentes pero perjudica al cine más independiente que pasa más desapercibido por salas porque precisamente cuando llegase a la siguiente ventana ya nadie se acordaría de que tuvo un breve estreno en cines. Es más, incluso podría llegar con su imagen dañada porque una ventana obligatoria solo sirvió para subrayar que en cines no funcionó especialmente bien. Mientras que una ventana de estreno en salas flexible probablemente si sirva para encender esa llama que argumentan desde FEDE, para poner ese sello de calidad, para atraer la atención de los medios, sin importar si luego está más o menos semanas en cartelera. El resto de players lo saben y por eso presionan a los productores.

En cualquier caso, la medida solicitada por la Federación de Cines de España no es algo ajeno a la normativa europea de los países de nuestro entorno, ni a la normativa nacional, ya que la Ley del Cine incluía una ventana de 3 meses para las películas que habían recibido ayudas públicas, hasta que se derogo en el año 2015. Por su parte Francia establece una ventana de 15 meses entre el estreno en cines y su lanzamiento en streaming y la semana pasada, el senado italiano aprobó por unanimidad el requerimiento al ejecutivo para establecer una ventana de 90 días para todas las películas que se estrenen en cine, independientemente de su nacionalidad y como una medida para ayudar a los cines a salir de la crisis.

Lo que está claro es que de alguna manera habrá que proteger a las salas, un sector que da trabajo a 32.000 personas de forma directa, indirecta e inducida, generando por cada euro que los cines ingresan de forma directa, 2.67€ adicionales en la economía. La importancia de la recuperación de públicos para las salas de cine no es solo vital para la industria cinematográfica, sino qué dada la naturaleza de la actividad, es muy importante para otros sectores económicos al ejercer como dinamizador del consumo de negocios como la hostelería o los centros comerciales.

¿Se te ocurre alguna idea?

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