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Producción de cine

“El número de views en Youtube no significan necesariamente nada”

Ian Pons Jewell, director de “Naughty Boy – La La La”

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Nacido en Menorca, y habiendo vivido la mayor parte de su vida en Reino Unido, Ian Pons Jewell se asentó hace un par de años (casi sin proponérselo) en Bolivia. Allí ha filmado tres de sus videoclips más populares. Uno de ellos, “Naughty Boy – La La La”, con más de 350 millones de reproducciones en Youtube. Considerado “uno de los mejores directores de videoclips de hoy en dia” según el prestigioso “Bug Music Video Show”. 

Tu videoclip “La la la” fue uno de los temas con más vistas en Youtube en 2013 ¿Cómo cambia la carrera de un director después de un super éxito viral como este?

Creo que depende mucho del vídeo. El número de views en Youtube no significan necesariamente nada. Por ejemplo, “Diamonds”, el vídeo de Rihanna, fue uno de los 3 videos más vistos del año pasado. El vídeo está muy pulido, con una imagen hermosa, pero no tiene mucha narrativa. Ese videoclip seguro que le ha proporcionado al director mucho más trabajo “comercial”. Creo que con “La La La”, el número de views se debió a que se convirtió en viral. La música fue un gran éxito, pero la narrativa también capturó la imaginación de la gente. El video causó una gran tormenta en Internet, la gente se volvió loca tratando de “entender” el vídeo y discutiendo teorías sobre el significado de las imágenes.

Todo esto me ha hecho destacar como director dentro del mundo del videoclip, pero no es un exito que se traduce de forma literal a nivel comercial. Creo que “La la la” es un videoclip bien filmado, pero no es exactamente de naturaleza “comercial”. La historia que cuenta es muy extraña, sugiriendo incluso temas arriesgados como el sacrificio de niños. Así que mi opinión es, que entre los videos más vistos del año pasado, hay una gran diferencia en el efecto que habrán tenido en cada director en función de la naturaleza del propio videoclip.

Respondiendo a la pregunta, creo que en definitiva si me ha ayudado mucho para empujar mi carrera, pero sobre todo, y lo que es más importante, me ha ayudado para convencerme aún más de que el surrealismo tiene una gran aceptación. Me frusta mucho el término “comercial” cuando se habla de ideas. O el término “mainstream”. El videoclip de “La La La”, para mí, es una prueba de que la “mainstream” quiere y necesita ser mucho más valiente y surrealista.

¿Qué crees que es lo que más valora un músico a la hora de elegir el realizador que dirija su videoclip?

Depende del artista en cuestión. Te envían la música y, a continuación, debes escribir un guion para esa canción. La compañía, el artista y el representante discuten sobre los guiones y eligen uno. Cuando te envían el track, también te pasan un brief. Este brief habla de lo quiere el artista, ya sea una idea muy específica o algo muy vago. Tal vez quieren verse tocando o quieren asegurarse de que utilizas un determinado símbolo, personaje o historia. Por lo general sólo escribo sobre briefs bien abiertos conceptualmente, ya que no me interesa mucho filmar simplemente al artista tocando.

Lo más importante es interiorizar la canción y encontrar un elemento visual que conecte con ella. Los mejores videoclips hacen que las canciones suenen mejor, es una cosa muy extraña. A menudo escuchas una canción y simplemente te gusta, pero luego ves el video y si es muy bueno, la próxima vez que escuches la canción te parecerá mucho mejor. Los videoclips permiten crear todo un mundo en torno a la música, que hace que esté presente en tu mente incluso cuando simplemente escuchas la canción sin estar viendo el videoclip. Es un poco como cuando te vas de vacaiones y escuchas mucho el mismo disco, una vez que estás de vuelta y lo escuchas, irremediablemente te recuerda a tus vacaciones y te hace recordar ciertas sensaciones. Un videoclip hace esto, crea un mundo, un viaje, conectado a la música, que se quedará contigo para siempre si el videoclip es bueno.

Varios de tus trabajos les has filmado en Bolivia ¿Por qué decidiste ir allí?

La culpable de terminar en Bolivia fue mi amiga Luisa Gerstein. Ella es la cantante de Landshapes y de ella fue la idea de filmar un videoclip en el entorno de la “Cholita Luchadoras” de El Alto. Todo fue una extraña coincidencia. Mi plan era ir a pasar dos meses a Buenos Aires. Cuando se presentó la oportunidad, pensé que se trataría simplemente de un pequeño viaje desde Buenos Aires a Bolivia para trabajar en su videoclip. Cuando llegué, nos reunimos y nos alojamos en el mismo lugar y escribimos el guion juntos. Y fue durante la producción cuando empecé a enamorarme de Bolivia. Tenía algo especial, algo que no me trasmitía Buenos Aires. Después de filmar el video, no dejaba de postergar mi regreso a Buenos Aires, al final, este “pequeño viaje” se convirtió en muchos meses y Bolivia se convirtió en mi segundo hogar. Durante mi estancia allí me fueron llegando más canciones y más artistas interesados en tener su videoclip filmado en este país mágico, así que por eso también me quedé.

¿Cuál fue el mayor reto que tuviste que afrontar a la hora de armar tu producción en Bolivia?

Bolivia presenta muchos retos diferentes en comparación con otros lugares. Pero creo que los pros y los contras se equilibran a fin de cuentas. Por un lado son mucho más baratos los costos de producción y es fácil conseguir permiso para filmar en cualquier localización. Pero por otro lado tienes menos acceso a buenos equipos de alquiler y no están muy bien conectados a través de Internet. Y esto es importante. En Inglaterra por ejemplo, Internet permite a un productor organizar la mayor parte de la producción de todo un vídeo desde su dormitorio. Puedes hacer castings en línea, búsquedas de localizaciones en línea, contratar a tu crew en línea, etc.

En Bolivia tienes que llamar por teléfono, conocer gente, hablar con los responsables de lugares que nunca han acogido un rodaje en su interior, etc. Pero yo realmente prefiero esto. Las relaciones humanas son mucho más valiosas, aunque eso si, las cosas pueden tardar un poco más. El mayor desafío, sin embargo, creo que está en el casting. No hay ningún tipo de “archivo online” de actores, los actores no suelen tener un showreel, y la única manera de encontrar a los mejores es a través de un productor que tenga una lista de contactos grande. Esas “listas de actores” son algo muy valioso que nadie comparte fácilmente, ya que su valor como productor disminuiría.

Siempre es difícil poner un precio porque cada proyecto es diferente. Pero desde tu experiencia, ¿qué tipo de presupuestos se manejan a la hora de realizar un videoclip como “La la la”?

Bueno, sí, los presupuestos varían mucho. Para “La La La” por ejemplo, tenía originalmente un presupuesto de 25.000 libras, pero hubo que invertir otras 7.000 libras más para poder traer una Alexa desde Londres, ya que no hay ninguna en Bolivia. El más reciente que he hecho para Naughty boy fue de 50.000 libras, pero el que hice para Pearls Negras fue de 1000 libras. El de Cold Specks fue de 20.000 libras. Los presupuestos de un video a otro varían un montón. Ahora estoy preparando algunos videoclips que van a costar desde 7.000 a 60.000 libras. Para los grandes artistas puedes llegar a contar con presupuestos de 100.000 libras. Cuando empecé, hacia videoclips de forma altruista, sin ningún presupuesto, con el fin de ir armando mi reel. Trabajé de forma gratuita haciendo vídeos musicales durante  5 años, y trataba de ganar dinero de otras cosas como videos de boda o videos corporativos.

Recientemente has estado en Nueva York grabando el clip de “Home” el nuevo tema de Naughty Boy. ¿Cómo fue tu experiencia filmando en USA?

¡Fue increíble! Era la primera vez que visitaba Nueva York, así que fue muy emocionante ir a trabajar. Realmente no me gusta irme de vacaciones, siempre tengo que estar haciendo algo, así que fue una manera maravillosa de conocer Nueva York y trabajar con “Residency Content”, mis representantes allí. Fue gracioso porque el video trata de un perro perdido en esa gran ciudad, que en cierto modo era un poco la experiencia que yo estaba viviendo. Nueva York tiene algo que la hace especial a la hora de rodar. Sé que LA es muy diferente en términos de producción. Lo bueno de Nueva York, es que puedes realizar varios cambios de localizaciones en un solo día. En nuestro caso ¡ teníamos cinco localizaciones diferentes ! Eso habría sido imposible si hubiésemos querido filmar todo el material en un solo día en Los Ángeles, por ejemplo.

Como director publicitario, destaca tu campaña para Adidas con motivo de las Olimpiadas de Londres 2012. ¿Qué es lo que más te atrae del cine publicitario?

Creo que lo que más me atrae de la publicidad es el dinero, pero no en términos de mis honorarios, me refiero a los presupuestos de las filmaciones. Para el proyecto de Adidas en realidad contábamos con un presupuesto muy bajo, pero por ejemplo lo último que he hecho para Lebara Mobile, fue con un presupuesto bastante bueno. Esto significa que tenía todo lo que necesitaba, lo rodamos en dos días, conté con un gran crew y un montón de equipos. Fue increíble poder trabajar de una manera más tranquila, en comparación con los videoclips, que siempre son muy ambiciosos pero tienen presupuestos más bajos y suelen implicar un trabajo muy arduo.

La publicidad me permite jugar con las técnicas, ser más ambiciosos técnicamente, y, por supuesto, es una buena manera de ganarme la vida, mientras sigo haciendo videoclips donde no me pagan muy bien. También me encantó el proceso de trabajar con los creativos, desde sus guiones. Cuando se trata de un video musical, yo escribo el guion. En la publicidad, recibo un guion escrito por los creativos, y luego mi trabajo es tratar de sacarle una vuelta. Me parece un proceso super interesante ver cómo una idea prospera a partir del guion de otra persona.

Licenciado en Comunicación Audiovisual, Master MBA y Master en Administración de Industrias Culturales. A lo largo de mi vida laboral he participado en la producción de diversos proyectos audiovisuales de televisión, publicidad, video digital y cine tanto en España como en Reino Unido, Perú y México.

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5 canales de YouTube para aprender a hacer cine

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Ya que vas a estar todo el día enganchado viendo videos de YouTube, al menos que sea para ver algo que merezca la pena.

Aquí 5 jugosas sugerencias 😉

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El Chico Morera – diplomado en dirección y guión – sabe de lo que habla cuando te explica, por ejemplo, que es un plano secuencia 😉

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Este canal es una pequeña escuela de cine online. Si estás empezando, tienes que verlo si o si.

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¿Cuánto factura la industria española de la animación?

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Según datos del “Libro Blanco” presentado recientemente por DIBOOS (la Federación Española de Asociaciones de Productoras de Animación) la industria española de la animación y de los efectos visuales facturó el año pasado 654 millones de euros y empleó de forma directa a 7.450 profesionales.

Nada mal para un sector compuesto por algo más de 250 empresas (principalmente afincadas en Madrid y Cataluña) que representan solamente el 4% del número de empresas del tejido audiovisual en nuestro país pero que, sin embargo, genera el 20% del empleo y el 9% de la facturación total de la industria audiovisual.

Y es que la animación, tal y como señala el informe, se trata de un sector atomizado, compuesto principalmente por Pymes, con capital prevalentemente español. De todas maneras hay que tener en cuenta que el 65% de las empresas productoras de animación de nuestro país factura menos de 500 mil euros y que casi la mitad de las empresas activas hoy en día, no existía hace 10 años.

El 90% de estas empresas se dedica a la producción de contenidos, tanto para televisión, como para cine. Y muchas lo hacen mirando más allá de nuestras fronteras. El 60% de las empresas exporta, el 45% lo hace en los mercados europeos, el 23% en Norteamérica y solo el 10% en Oriente Medio y África. De hecho, el mercado que más peso representa en la facturación de la industria es el norteamericano, con un 52% de los ingresos totales. Pero mercados como el asiático representan importantes retos y oportunidades, debido a las dificultades de introducción y a su inmenso potencial en cuanto a volumen de espectadores.

La facturación del sector de la animación en España sigue dependiendo en gran parte de los modelos de negocio tradicionales – televisión y cine – que juntos representan el 66 % de los ingresos. Pero los modelos de negocio digitales – distribución online, licencias digitales y derivados digitales – ya suponen de media el 12% de la facturación y se prevé que cobren más importancia en el futuro; de hecho, para algunas empresas, constituyendo casi el 100% de los ingresos. Por su parte, los modelos de negocio alternativos, como la provisión de servicios (de animación, rendering, etc.), la publicidad, la consultoría y la formación, suman sólo el 20% de los ingresos de la industria.

FUTURO PROMETEDOR

Los buenos datos recogidos en este “Libro Blanco” permiten a la federación del sector prever que en 2020 la industria española supere los mil millones de euros de facturación, con una tasa media anual de crecimiento del 24%. Además esperan un crecimiento del empleo del 11,17% anual hasta alcanzar en 2020 los 10.000 empleos directos y unos 40.000 profesionales en total vinculados a la industria de la animación. Y es que en los próximos 4 años se prevé poner en marcha más de 90 largometrajes, más de 140 series y alrededor de 400 cortometrajes.

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¿En qué áreas del sector cinematográfico español tienen más presencia las mujeres?

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CIMA (la Asociación de mujeres cineastas y de medios audiovisuales) ha publicado, en el marco del Festival de San Sebastián, una nueva edición de su informe anual en el que analiza la representatividad de las mujeres en el sector cinematográfico español. ¿El dato? Las mujeres representan sólo el 24% de las contrataciones en la industria del cine español.

Además, el informe pone de manifiesto como a día de hoy los cargos de mayor responsabilidad dentro del sector siguen estando ocupados en su mayoría por hombres menos en dos áreas asociadas con las tareas típicamente femeninas: “Diseño de Vestuario” y “Maquillaje y Peluquería”.

Si nos fijamos por ejemplo sólo en el genero de “ficción”, el género que cuenta con mayor número de producciones anuales y que más personal requiere, las mujeres representan el 27% del total (un 3% más que en el computo total de la industria).

Pero ojo, porque el 42% de ellas fueron contratadas para trabajar en los departamentos de “Diseño de Vestuario” y “Maquillaje y Peluquería”. Y hay que tener en cuenta que “ficción” es el género en el que los departamentos de “Diseño de Vestuario” y “Maquillaje y Peluquería” tienen más personal contratado en comparación con los otros géneros que analiza el estudio (“Animación” y “Documental”) donde estos cargos o no existen o no tiene tanto desarrollo.

Y es que la contratación femenina en los departamentos de “Diseño de Vestuario” y “Maquillaje y Peluquería” en proyectos de ficción llega a representar el 86% y el 71% respectivamente. En el resto de departamentos la representatividad de las mujeres baja considerablemente: un 39% en “Dirección Artística”, un 32% en “Dirección de Producción”, un 28% en “Producción”, un 27% en “Montaje”, un 13% en “Guión”, un 9% en “Dirección”, un 7% en “Dirección de Fotografía y Sonido”, un 5% en “Composición Musical” y finalmente, encontramos un 1% de mujeres en “Efectos Especiales”.

VAMOS A PEOR

CIMA recoge en su informe que los datos de los resultados obtenidos en 2017 con los obtenidos en los informes de los dos últimos años, reflejan que la representatividad de mujeres ha disminuido en 2 puntos porcentuales. Durante los años 2015 y 2016, la representatividad de la mujer en el sector se había mantenido en un 26% y el año pasado sin embargo ha habado hasta el 24%.

Los únicos cargos en los que el balance no es negativo, teniendo en cuenta los tres años estudiados, refieren a “Producción” y “Responsable de Sonido”. Todos los demás, han sufrido una disminución de presencia de mujeres lo que está haciendo que el sector tienda a una mayor masculinización, porque si bien es cierto que comienza a aumentar la presencia de hombres en los cargos altamente feminizados, al mismo tiempo los cargos masculinizados se están masculinizando aún más sin permitir la inserción de mujeres.

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