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Producción de cine

«Creo que si una película no cuenta con el apoyo decidido de una televisión no se puede esperar un gran éxito»

Toni Novella, director de producción de «Palmeras en la nieve»

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Toni Novella es uno de los directores de producción más respetados del país. Miembro de APPA, de la Academia de Cine y de la European Film Academy, a lo largo de su extensa carrera ha trabado con directores como Almodovar, Ridley Scott, Soderbergh o Guillermo del Toro. La semana pasada acaba de terminar el rodaje de su último proyecto, «Palmeras en la nieve», la nueva película de Fernando González Molina, pero hoy hablamos con él con motivo de su nominación, junto a Edmon Roch, al Premio Goya a la Mejor Dirección de Producción por «El Niño».

«El Niño» es una producción de Ikiru Films y Vaca Films para Telecinco Cinema, con la participación de Mediaset España, CANAL+, Ono, Rosp Corunna y Canal Sur. ¿Con qué presupuesto contabais para sacar adelante el proyecto?

El presupuesto fue de seis millones cuatrocientos mil euros, si contar copias ni publicidad. La parte más importante, como es habitual, se dedicó a pagar las nóminas del equipo técnico y artístico. El capítulo de «viajes y alojamiento» fue muy importante porque, aunque contábamos con personal local, el grueso del equipo se debió desplazar a lugares como Cádiz, Almería, Gran Canaria o Marruecos. A este le seguiría el capítulo seis, «maquinaria de rodaje y transportes».

¿Podrías explicarnos brevemente cómo fue la producción?

La película se empezó a preparar en 2011 y, a principios de 2012 se incorporaron los jefes de equipo, con la intención de rodar en primavera. Con todo listo, los problemas de financiación obligaron a retrasar la película un año y, a principios de 2013 se retomó el proyecto con el mismo equipo.

El rodaje ocupó 77 días, 67 rodados con la unidad principal y 10 con una segunda unidad. Fueron cuatro semanas en la provincia de Cádiz, teniendo nuestra base en Algeciras; una semana en Gibraltar, una semana en Tetuán y otras localizaciones de Marruecos, tres semanas en Almería, dos en Gran Canaria, un par de días en Ceuta, otro en Madrid y un último día que se rodó en Alicante. Rodamos en más de cien localizaciones distintas, con la dificultad que conlleva desplazar y ubicar a un equipo técnico fijo de alrededor de cien personas en tantos lugares distintos.

Como Director de Producción ¿Cual fue el principal reto al que os enfrentasteis en la producción?

He compartido la responsabilidad del cargo con Edmon Roch, que también es productor de la película; trabajar con él hace que todo sea más fácil. El principal reto fue hacer la película que describía el guión, y que quería el director, con el presupuesto que teníamos. Tuvimos que desplazar a un equipo numeroso a Cádiz, Almería, Gibraltar, Canarias o Marruecos, adaptando los viajes al apretado plan de trabajo.

Rodar, por tierra, mar y aire, sin importar la meteorología, con helicópteros, lanchas de tres motores o coches a toda velocidad, de día y de noche. Fue delicado conseguir autorización para rodar en Gibraltar o Marruecos, por la temática de la película; o en localizaciones complicadas, como las terminales de contenedores, puertos, aeropuertos, playas, zonas militares o las aduanas de Ceuta o Gibraltar. También hizo falta tiempo y paciencia para trasladar todo el material de rodaje atravesando las aduanas de Gibraltar, Marruecos o Canarias.

Todos los problemas se solventaron gracias a la buena disposición del director, los técnicos y los actores; mención aparte merece el buen trabajo del equipo de producción y localizaciones. También contamos con la valiosa ayuda de importantes instituciones que se volcaron en la película: el Servicio de Vigilancia Aduanera, la Guardia Civil o la Policía Nacional, y de los Ayuntamientos de los municipios donde rodamos.

«El Niño» fue la segunda película más vista en España en 2014 y el mejor estreno español del año, con 2,9 millones de euros ¿Sin el apoyo de un gran grupo audiovisual como Mediaset o Atresmedia es imposible hacer un «taquillazo» en España?

Sí, creo que, por mucho interés que pongan los productores o la distribuidora, si la película no cuenta con el apoyo decidido de una televisión no se puede esperar un gran éxito.

También estuviste a cargo de la producción de «Exodus», que se estrenó el pasado mes de diciembre, y que fue filmada en parte entre Almería y Fuerteventura. ¿Qué crees que es lo que más valoran los directores extranjeros de nuestro país?

El cine es arte e industria; los directores valoran el paisaje, las localizaciones o la luz; los productores buscan incentivos económicos que amortigüen el gasto que supone desplazar a un equipo de rodaje a otro país, y también los medios existentes y la preparación de los técnicos del lugar. Contamos con equipos e infraestructuras excelentes, pero creo que es necesario mejorar las condiciones actuales para poder competir con otros países como Marruecos, Canadá, Bulgaria o Colombia por atraer más rodajes internacionales.

Por cierto, desde «Tacones lejanos» has trabajado con Almodóvar en once películas, en cuatro de ellas como director de producción (“Volver”, “Los abrazos rotos”, “La piel que habito” y “Los amantes pasajeros”). ¿Qué crees que es lo que más valora un director como Pedro de su director de producción?

Me miro en el espejo de Esther García, directora de producción de casi todas sus películas y productora de las últimas. Pedro es muy exigente y le apasiona su trabajo, él espera que sus deseos, lo que ha escrito en el guión, se haga realidad en la pantalla; para esto, el director de producción debe saberse bien el guión, estar bien preparado, ser trabajador, sincero, justo, discreto, tener don de gentes, sentido del humor y decir que no cuando sea necesario. Eso es lo que trato de imitar de Esther.

Licenciado en Comunicación Audiovisual, Master MBA y Master en Administración de Industrias Culturales. A lo largo de mi vida laboral he participado en la producción de diversos proyectos audiovisuales de televisión, publicidad, video digital y cine tanto en España como en Reino Unido, Perú y México. Desde 2018 trabajo en el departamento de producción de Morena Films (Madrid).

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Finaliza el rodaje del documental sobre la mítica banda de rock «Tequila»

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Los supervivientes de la mítica banda Tequila, junto con otros muchos personajes míticos de la premovida, acaban de terminar el rodaje de un documental en el que repasan la historia del grupo de rock que a finales de los 70 se convirtió en un auténtico fenómeno de masas gracias a su sonido y su imagen rompedora.

Un documental dirigido por Álvaro Longoria (Premio Goya a Mejor Documental en 2012 y nominado en 2015 y 2016) escrito por el propio Álvaro Longoria junto a Juan Puchades que cuenta la historia del legendario grupo de rock que puso la banda sonora a la liberación de los jóvenes españoles en la transición. Cinco jóvenes que alcanzaron de golpe su sueño de triunfo, convirtiendo a sus canciones en clásicos indestructibles, pero a los que la fama y el éxito destruyó.

Narrado por la actriz Cecilia Roth y con la participación de los miembros de la banda Ariel Rot, Alejo Stivel y Felipe Lipe, cuenta con entrevistas a familiares, amigos y reconocidos nombres del panorama musical español como Álvaro Urquijo, Carlos Tarque, Dani Martín, Miguel Angel Arenas «Capi», Miguel Ríos o Ramoncín entre otros. Tras dos años de rodaje en espacios míticos como la Sala el Sol y Joy Eslava, y la grabación del último concierto de la banda en el Wizink Center de Madrid, el documental narra la fascinante y dramática historia de un grupo que compuso la banda sonora de todo un país. Un relato de juventud y éxito, y del posterior descenso a los infiernos, que merece ser desvelado.

«Tequila. Sexo, Drogas y Rock and Roll» es una producción de Álvaro Longoria y Anna Saura para Morena Films en coproducción con RTVE, con la participación de Movistar Plus + y la colaboración especial de Mahou. Las ventas internacionales corresponden a Latido Films y la distribución en España a  Karma Films que tiene previsto su estreno comercial en cines este próximo otoño.

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Ya puedes ver en Netflix el documental FORMENTOR EL MAR DE LAS PALABRAS

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Netflix acaba de poner a disposición de todos sus usuarios en Europa el documental dirigido por José Luis López-Linares sobre el emblemático hotel ubicado en la bahía de Pollença FORMENTOR, EL MAR DE LAS PALABRAS.

Estrenado en 2020 en el marco del Atlántida Film Fest y ganador del Premio «History and Heritage» del Terres Festival, el documental repasa la historia de este mágico rincón del Mediterráneo que desde que fue fundado hace 90 años por el poeta argentino Adan Diehl, ha sido punto de encuentro de los personajes más relevantes del siglo XX.

En sus habitaciones se han alojado por ejemplo Audrey Hepburn, Charles Chaplin, Dalai Lama, Winston Churchill, Grace Kelly o Rainiero de Mónaco, pero sobre todo escritores como Camilo José Cela, Carlos Barral, Robert Graves o Mario Vargas Llosa, quien escribió mientras estaba alojado en el hotel una de sus novelas más recordadas.

FORMENTOR, EL MAR DE LAS PALABRAS, pone el foco sobre todo en la relación del hotel con el mundo de la cultura a través del testimonio en primera persona de artistas enamorados del lugar como el pianista Lang Lang, el director de orquesta Gustavo Dudamel, la actriz y cantante Jane Birkin, la soprano Ainhoa Arteta y escritores como Roberto Calasso, Annie Ernaux, Carme Riera o el propio Mario Vargas Llosa, entre muchos otros más.

Producido por Juan Gordon y Rodrigo Espinel de Morena Films, la dirección de fotografía es del propio José Luis López-Linares, el guion está firmado por José Luis López-Linares, Cristina Otero y Luis Acebes mientras que Pablo B. Guzmán y Cristina Otero han realizado el montaje.

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¿Una ventana de exhibición de más de 3 meses volvería realmente a llenar las salas de cine?

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Al menos así lo piensan desde la Federación de Cines de España (FECE), asociación empresarial que agrupa a más del 80% del mercado de espectadores de las salas de cine de nuestro país, que ha trasladado esta semana al ICAA la necesidad de establecer una ventana de exhibición de 100 días, para todas las películas que se estrenen en cines, como medida urgente y esencial para garantizar la recuperación de las salas de cine, piedra angular sobre la que se sostiene la industria cinematográfica en su conjunto.

¿Tu qué opinas? ¿Estás a favor de flexibilizar las ventanas o consideras que el futuro está en regular aun más el mercado?

Desde FECE consideran que a raíz de la pandemia y tras el cierre de los cines la ventana de exhibición cinematográfica sufrió una drástica reducción, con lanzamientos en 45 días tras su estreno en salas y hasta estrenos simultáneos, lo que ha lastrado la explotación de las películas en cartelera, creando un gran perjuicio a las salas de cine, desordenando la comunicación de sus lanzamientos y retrasando la recuperación del sector.

En su comunicado resaltan además como otro efecto negativo asociado a la reducción de la ventana la desinformación que se vierte sobre el espectador, al que se le confunde con mensajes contradictorios sobre cuándo y dónde ver las películas, lo que desde su punto de vista es uno de los principales obstáculos a la hora de conseguir la vuelta de los espectadores a las salas.

Argumentan que la explotación ordenada en ventanas genera un impacto inicial y una onda expansiva que crece gracias a este sistema, beneficiando a la industria cinematográfica en su conjunto porque las películas más taquilleras son las que posteriormente se convierten en éxitos de ventas y audiencia en los canales posteriores.

Personalmente tengo mis dudas de que este planteamiento tenga sentido realmente para todo tipo de películas. Sin duda hace más rentable la explotación de los títulos más potentes pero perjudica al cine más independiente que pasa más desapercibido por salas porque precisamente cuando llegase a la siguiente ventana ya nadie se acordaría de que tuvo un breve estreno en cines. Es más, incluso podría llegar con su imagen dañada porque una ventana obligatoria solo sirvió para subrayar que en cines no funcionó especialmente bien. Mientras que una ventana de estreno en salas flexible probablemente si sirva para encender esa llama que argumentan desde FEDE, para poner ese sello de calidad, para atraer la atención de los medios, sin importar si luego está más o menos semanas en cartelera. El resto de players lo saben y por eso presionan a los productores.

En cualquier caso, la medida solicitada por la Federación de Cines de España no es algo ajeno a la normativa europea de los países de nuestro entorno, ni a la normativa nacional, ya que la Ley del Cine incluía una ventana de 3 meses para las películas que habían recibido ayudas públicas, hasta que se derogo en el año 2015. Por su parte Francia establece una ventana de 15 meses entre el estreno en cines y su lanzamiento en streaming y la semana pasada, el senado italiano aprobó por unanimidad el requerimiento al ejecutivo para establecer una ventana de 90 días para todas las películas que se estrenen en cine, independientemente de su nacionalidad y como una medida para ayudar a los cines a salir de la crisis.

Lo que está claro es que de alguna manera habrá que proteger a las salas, un sector que da trabajo a 32.000 personas de forma directa, indirecta e inducida, generando por cada euro que los cines ingresan de forma directa, 2.67€ adicionales en la economía. La importancia de la recuperación de públicos para las salas de cine no es solo vital para la industria cinematográfica, sino qué dada la naturaleza de la actividad, es muy importante para otros sectores económicos al ejercer como dinamizador del consumo de negocios como la hostelería o los centros comerciales.

¿Se te ocurre alguna idea?

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