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Producción de cine

«Yo nunca he sentido que me haya sido más difícil hacer una película por ser mujer»

Evelyne Pegot-Ogier, directora de «La hora azul»

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Licenciada en Cine y Televisión por la Universidad de la Sorbonne Nouvelle (Paris), donde compartimos aula y nos hicimos amigos, Evelyne Pegot-Ogier trabajó durante varios años en la industria audiovisual francesa antes de volver a su Perú natal, donde en el año 2010 creó PANDA Films y en el 2013 filma «La hora azul», su primer largometraje. Hoy conversamos con ella sobre el reto de sacar adelante su ópera prima y sobre el papel que está jugando el cine peruano dentro del panorama audiovisual latino.

Hablemos de «La hora azul». Para tu primer proyecto te atreviste con la adaptación de una novela de Alonso Cueto. ¿Cuales han sido los principales problemas a los que has tenido que enfrentarte como directora novel?

Como directora novel una se ve obligada a ser guionista, productora y directora de su propio proyecto, y sacarlo adelante. La parte más difícil fue la escritura del guión. Yo pensé que adaptar una novela iba a ser más fácil que partir de cero con un guión original, pero no fue así. Una vez que ya tuve una versión del guión que me gustaba, me presenté al Concurso, y gané. Luego de terminar la película y estar en algunos festivales, lo difícil ha sido la distribución en el Perú. Estrenar comercialmente en salas, cuando tu película no es ni de terror ni comedia, es complicado.

¿Qué supuso para el proyecto el Concurso de Proyectos de Obras de Largometrajes de Ficción organizado por el Ministerio de Cultura ?

Con este premio la película se volvió una realidad. El premio no representaba el 100% del presupuesto necesario, y seguí postulando a concursos y fondos, buscando coproductores y auspicios. No los conseguí, lo cual puede atribuirse -en parte- al hecho de que es una primera película. Y seguro a otros factores también. Después de un tiempo, decidí que iba a realizar la película con lo que tenía, en vez de esperar a ver si conseguía más.

Tu película ha sido presentada en el Festival de Chicago, Huelva, Montreal… ¿Qué tan importante es la presencia en festivales para una película «de autor» como la tuya?

No sé si mi película es considerada «de autor» por los festivales. Propongo una puesta en escena y un lenguaje muy convencional y práctico, y los festivales suelen preferir propuestas más osadas. En todo caso, para mi era importantísimo participar en festivales porque debía encontrar un distribuidor internacional para que mueva la película en el resto de territorios. Y tuve la suerte de conseguirlo en el primer festival al que fui: Montreal. Además, a veces los logos de los festivales en los que ha participado la película pueden ser un plus en el afiche, que puede generar interés en el público.

Por cierto, ¿ya hay fecha de estreno en las salas peruanas?

Queremos estrenar en marzo, pero no tenemos fecha exacta aún. Eso se define en las próximas semanas.

Si bien el Perú cuenta con Claudia Llosa como uno de sus principales embajadores cinematográficos, en general en la industria hay muchas menos directoras que directores. ¿Por qué crees que ocurre esto?

No sé cuales son los porcentajes de mujeres vs hombres. Hay menos directoras que directores, y más productoras que productores. No sé muy bien a qué se debe. El Perú es un país machista, sin duda. Pero yo nunca he sentido que me haya sido más difícil hacer una película por ser mujer. Si alguien viene y me dice que no puedo hacer algo por ser mujer, no le haría caso, ni siquiera lo consideraría. Así que tal vez no me he dado cuenta de que haya sido todo más difícil por ser mujer.

Finalmente, ¿Qué papel crees que está jugando el cine peruano actual dentro del panorama audiovisual latino?

El Perú es un país de una diversidad singular. Lo cual es una ventaja y una desventaja. Las divisiones geográficas, étnicas, culturales, inclusive a nivel de idioma, pueden generar divisiones. Pero si se saben aprovechar correctamente, pueden generar una gran riqueza cultural. Pocos países de la región tienen una riqueza cultural como el Perú. Y debe ser explotada. A nivel de cinematografía nacional, debemos tener diferentes miradas, historias, géneros. Me parece que algo se ha avanzado, porque cada vez se hacen más películas al año, y cada vez aparecen más directores. Sin embargo, la producción debe aumentar y la calidad técnica debe mejorar. Y para eso se necesita más dinero. No hay ningún misterio. La gente habla de boom o auge del cine peruano porque hay una película al año que hace más de un millón en taquilla. Eso está lejos de ser un boom.

Al Perú le falta muchísimo por aprender. Si nos comparamos con países de la región como Colombia y Chile, nosotros estamos un par de escalones más abajo. Y si nos comparamos con Brasil y Argentina, estamos varios escalones más abajo. No existe una industria del cine en Perú. La ley de cine necesita revisarse, necesitamos otros modos de financiamiento como los incentivos fiscales, un film commission, etc. Mecanismos que sí existen en otros países de Latinoamérica.

Lo que me sorprende es que todas los intentos del sector por avanzar en ese sentido son frustrados por el Ministerio de Economía y Finanzas. No me explico cómo altos funcionarios del Gobierno no apoyan el desarrollo de las industrias culturales de su propio país. Me parece primitivo.

Licenciado en Comunicación Audiovisual, Master MBA y Master en Administración de Industrias Culturales. A lo largo de mi vida laboral he participado en la producción de diversos proyectos audiovisuales de televisión, publicidad, video digital y cine tanto en España como en Reino Unido, Perú y México. Desde 2018 trabajo en el departamento de producción de Morena Films (Madrid).

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Finaliza el rodaje del documental sobre la mítica banda de rock «Tequila»

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Los supervivientes de la mítica banda Tequila, junto con otros muchos personajes míticos de la premovida, acaban de terminar el rodaje de un documental en el que repasan la historia del grupo de rock que a finales de los 70 se convirtió en un auténtico fenómeno de masas gracias a su sonido y su imagen rompedora.

Un documental dirigido por Álvaro Longoria (Premio Goya a Mejor Documental en 2012 y nominado en 2015 y 2016) escrito por el propio Álvaro Longoria junto a Juan Puchades que cuenta la historia del legendario grupo de rock que puso la banda sonora a la liberación de los jóvenes españoles en la transición. Cinco jóvenes que alcanzaron de golpe su sueño de triunfo, convirtiendo a sus canciones en clásicos indestructibles, pero a los que la fama y el éxito destruyó.

Narrado por la actriz Cecilia Roth y con la participación de los miembros de la banda Ariel Rot, Alejo Stivel y Felipe Lipe, cuenta con entrevistas a familiares, amigos y reconocidos nombres del panorama musical español como Álvaro Urquijo, Carlos Tarque, Dani Martín, Miguel Angel Arenas «Capi», Miguel Ríos o Ramoncín entre otros. Tras dos años de rodaje en espacios míticos como la Sala el Sol y Joy Eslava, y la grabación del último concierto de la banda en el Wizink Center de Madrid, el documental narra la fascinante y dramática historia de un grupo que compuso la banda sonora de todo un país. Un relato de juventud y éxito, y del posterior descenso a los infiernos, que merece ser desvelado.

«Tequila. Sexo, Drogas y Rock and Roll» es una producción de Álvaro Longoria y Anna Saura para Morena Films en coproducción con RTVE, con la participación de Movistar Plus + y la colaboración especial de Mahou. Las ventas internacionales corresponden a Latido Films y la distribución en España a  Karma Films que tiene previsto su estreno comercial en cines este próximo otoño.

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Ya puedes ver en Netflix el documental FORMENTOR EL MAR DE LAS PALABRAS

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Netflix acaba de poner a disposición de todos sus usuarios en Europa el documental dirigido por José Luis López-Linares sobre el emblemático hotel ubicado en la bahía de Pollença FORMENTOR, EL MAR DE LAS PALABRAS.

Estrenado en 2020 en el marco del Atlántida Film Fest y ganador del Premio «History and Heritage» del Terres Festival, el documental repasa la historia de este mágico rincón del Mediterráneo que desde que fue fundado hace 90 años por el poeta argentino Adan Diehl, ha sido punto de encuentro de los personajes más relevantes del siglo XX.

En sus habitaciones se han alojado por ejemplo Audrey Hepburn, Charles Chaplin, Dalai Lama, Winston Churchill, Grace Kelly o Rainiero de Mónaco, pero sobre todo escritores como Camilo José Cela, Carlos Barral, Robert Graves o Mario Vargas Llosa, quien escribió mientras estaba alojado en el hotel una de sus novelas más recordadas.

FORMENTOR, EL MAR DE LAS PALABRAS, pone el foco sobre todo en la relación del hotel con el mundo de la cultura a través del testimonio en primera persona de artistas enamorados del lugar como el pianista Lang Lang, el director de orquesta Gustavo Dudamel, la actriz y cantante Jane Birkin, la soprano Ainhoa Arteta y escritores como Roberto Calasso, Annie Ernaux, Carme Riera o el propio Mario Vargas Llosa, entre muchos otros más.

Producido por Juan Gordon y Rodrigo Espinel de Morena Films, la dirección de fotografía es del propio José Luis López-Linares, el guion está firmado por José Luis López-Linares, Cristina Otero y Luis Acebes mientras que Pablo B. Guzmán y Cristina Otero han realizado el montaje.

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¿Una ventana de exhibición de más de 3 meses volvería realmente a llenar las salas de cine?

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Al menos así lo piensan desde la Federación de Cines de España (FECE), asociación empresarial que agrupa a más del 80% del mercado de espectadores de las salas de cine de nuestro país, que ha trasladado esta semana al ICAA la necesidad de establecer una ventana de exhibición de 100 días, para todas las películas que se estrenen en cines, como medida urgente y esencial para garantizar la recuperación de las salas de cine, piedra angular sobre la que se sostiene la industria cinematográfica en su conjunto.

¿Tu qué opinas? ¿Estás a favor de flexibilizar las ventanas o consideras que el futuro está en regular aun más el mercado?

Desde FECE consideran que a raíz de la pandemia y tras el cierre de los cines la ventana de exhibición cinematográfica sufrió una drástica reducción, con lanzamientos en 45 días tras su estreno en salas y hasta estrenos simultáneos, lo que ha lastrado la explotación de las películas en cartelera, creando un gran perjuicio a las salas de cine, desordenando la comunicación de sus lanzamientos y retrasando la recuperación del sector.

En su comunicado resaltan además como otro efecto negativo asociado a la reducción de la ventana la desinformación que se vierte sobre el espectador, al que se le confunde con mensajes contradictorios sobre cuándo y dónde ver las películas, lo que desde su punto de vista es uno de los principales obstáculos a la hora de conseguir la vuelta de los espectadores a las salas.

Argumentan que la explotación ordenada en ventanas genera un impacto inicial y una onda expansiva que crece gracias a este sistema, beneficiando a la industria cinematográfica en su conjunto porque las películas más taquilleras son las que posteriormente se convierten en éxitos de ventas y audiencia en los canales posteriores.

Personalmente tengo mis dudas de que este planteamiento tenga sentido realmente para todo tipo de películas. Sin duda hace más rentable la explotación de los títulos más potentes pero perjudica al cine más independiente que pasa más desapercibido por salas porque precisamente cuando llegase a la siguiente ventana ya nadie se acordaría de que tuvo un breve estreno en cines. Es más, incluso podría llegar con su imagen dañada porque una ventana obligatoria solo sirvió para subrayar que en cines no funcionó especialmente bien. Mientras que una ventana de estreno en salas flexible probablemente si sirva para encender esa llama que argumentan desde FEDE, para poner ese sello de calidad, para atraer la atención de los medios, sin importar si luego está más o menos semanas en cartelera. El resto de players lo saben y por eso presionan a los productores.

En cualquier caso, la medida solicitada por la Federación de Cines de España no es algo ajeno a la normativa europea de los países de nuestro entorno, ni a la normativa nacional, ya que la Ley del Cine incluía una ventana de 3 meses para las películas que habían recibido ayudas públicas, hasta que se derogo en el año 2015. Por su parte Francia establece una ventana de 15 meses entre el estreno en cines y su lanzamiento en streaming y la semana pasada, el senado italiano aprobó por unanimidad el requerimiento al ejecutivo para establecer una ventana de 90 días para todas las películas que se estrenen en cine, independientemente de su nacionalidad y como una medida para ayudar a los cines a salir de la crisis.

Lo que está claro es que de alguna manera habrá que proteger a las salas, un sector que da trabajo a 32.000 personas de forma directa, indirecta e inducida, generando por cada euro que los cines ingresan de forma directa, 2.67€ adicionales en la economía. La importancia de la recuperación de públicos para las salas de cine no es solo vital para la industria cinematográfica, sino qué dada la naturaleza de la actividad, es muy importante para otros sectores económicos al ejercer como dinamizador del consumo de negocios como la hostelería o los centros comerciales.

¿Se te ocurre alguna idea?

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