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Producción de cine

El modelo “triple one” y sus posibilidades de producción para el mercado de ficción audiovisual

Give me one character, one location and one plot. That´s all I really need.

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"Buried", dirigida por Rodrigo Cortés, registró una taquilla global de más de 21 millones de dólares.

Como toda industria, la ficción audiovisual aposenta sus principios en dos columnas básicas que sostienen el alma del negocio: Entretener fascinando al mayor número de espectadores posibles con criterios de calidad artística, y generar ingresos suficientes para poder seguir manteniendo un óptimo nivel producción que conjugue los tres valores esenciales: Calidad, crítica y rendimiento.

Varios son los modelos de producción que se desarrollan en la industria de la ficción, dependiendo todos ellos de valores y parámetros que van desde el género y formato de la obra, pasando entre otros por el target, el presupuesto, los costes por encima y debajo de la línea[1], el número de localizaciones o la estrategia de P&A[2].

El género y el formato del proyecto son determinantes a la hora de encauzar de manera correcta la estrategia de desarrollo de producción de nuestra obra, siendo quizás las primeras acotaciones naturales que presentan la biología técnica del producto. Ello determina por tanto, otros parámetros de una ecuación cuyas variables son un conjunto de claves fundamentales junto con una serie de imponderables que deben ser cuidadosamente previstos.

Development Production Project = Genre & Format + Target + Budget + Funding + P&A + Profit Calculations

La producción audiovisual de ficción debe tener como lema la famosa frase que según algunas lenguas, se podía leer enmarcada en algunos de los despachos con más solera de la industria hollywoodiense: “Nobody knows anything”. Una premisa para recordar al productor la vulnerabilidad de su esfuerzo, tal y como lo hacía quien laureaba a los grandes generales romanos al mismo tiempo que se les recordaba que sólo eran seres mortales y no todopoderosos dioses.

Y es que nadie sabe nada, porque si tuviéramos la fórmula exacta para el éxito comercial de las películas, entonces serían las entidades bancarias quienes producirían, y no las productoras o los estudios. El riesgo, es el mejor y más grande compañero de cama de la producción en la ficción audiovisual, y por tanto, es él quien quita y quien da los mayores placeres que se desprenden de la gesta que significa apostar por levantar un proyecto para convertir y codificar un guion escrito en una obra audiovisual.

La división por género y formato es como ya hemos dicho, una de las primeras identidades naturales del producto, y por tanto una de las herramientas principales a las que acogerse cuando se decide enfocar el desarrollo de la producción en el caso de que estos dos valores no nos hagan descartar entrar en la producción del mismo.

Son muchos y muy variados los caminos por lo que podemos transitar a la hora de definir una estrategia de producción para un proyecto de ficción y en este sentido, el presupuesto y la capacidad de financiación del mismo son como todo el mundo sabe, las variables más determinantes para poder enfocar correctamente un desarrollo eficaz, realista y sostenible que no dé lugar a siniestras sorpresas y fallos irreparables que puedan dañar tanto la calidad o la distribución del producto, como las cuentas de la entidad productora.

Una de las teorías que más han dado que hablar en los últimos tiempos, son algunos estudios que determinan la capacidad de generar beneficios según el género y formato de la obra, otorgando a algunos de ellos más seguridad a la hora de apostar por su desarrollo.

Es el caso por ejemplo del llamado Low Budget horror movie, el cual goza de una gran reputación como el más proclive al beneficio a la hora de su producción. Algunos estudios, tales como el famoso análisis de investigación[3] realizado por Stephen Follows, acrecentaron de manera objetiva la capacidad de este género y formato como el más afín al beneficio económico dentro de la industria cinematográfica mundial, si bien es cierto que, como todo estudio analítico, contaba con una serie de parámetros que condicionaban los resultados[4].

En cualquier caso, la investigación demostró que entre todas las películas estrenadas en los cines de Estados Unidos entre 1996 y 2016, las películas de terror parecían tener más probabilidad de obtener beneficios en comparación con las películas de otros géneros, estimando que durante ese periodo, el 53% de las películas de terror estrenadas en las salas de cine tenían probabilidades de generar beneficios, comprándolo con la media de la industria del 37% en todos los demás géneros.


Tabla incluida en el estudio de Stephen Follows sobre el cálculo de las posibilidades de beneficio de las producciones de terror entre 1996 y 2016 con respecto al resto de los géneros cinematográficos.

A pesar de los innumerables estudios de mercado que proliferan en la industria, los análisis exhaustivos de datos y tendencias, los departamentos de desarrollo, marketing y cuentas que dominan y condicionan las producciones actuales, es evidente que siempre será la intuición del productor el arma más poderosa para dar luz verde a un proyecto.

En este caso, el conocimiento del mercado y la experiencia acumulada, quedan al albur de la capacidad del productor para tener un pálpito, una corazonada o una emoción a la hora de tomar la decisión de con que producción ocupar los próximos años de su vida. Y es así, contra todo proceso de lógica institucional y estadística, donde se han cosechado algunos de los éxitos más sonoros y rotundos de la historia de la ficción audiovisual y donde reside la verdadera grandeza de esta profesión.

En este artículo, nos decantamos ante un formato que, por su propia y especial idiosincrasia, es aplicable sobre todo a los géneros de thriller y terror, aunque no es descartable en otros diferentes. El modelo triple one[5] o one to one-one, se nutre de tres coordenadas concretas para realizar su formato: 1 character, (1 personaje), 1 plot (Una trama), 1 location (1 localización).

La simplificación de estos tres soportes narrativos a su máxima expresión, hacen que desarrollar una historia en la que de manera constante se conjugue una contundencia dramática capaz de mantener la atención del espectador mientras al mismo tiempo confluya la calidad lineal, sea un reto extraordinario para los creadores y para la estrategia de desarrollo del proyecto. Es precisamente esta delicada ecuación, lo que hace tan atractiva y compleja su propia realización. Dicha ecuación, no tiene por qué tener su origen en la falta de recursos, sino que puede revelarse como una declaración para trabajar exclusivamente en la historia acotando al máximo las posibilidades de construcción del relato y ponerlas al servicio absoluto de la producción y del espectador.

Creo que todo creador, todo guionista, director o productor, debe saber concretar y construir narrativas con las menos herramientas posibles, pues no sólo agudiza nuestra capacidad de innovación generando recursos alternativos, sino que además, acelera la capacidad de concentración en los elementos esenciales de la obra para poder más adelante, expandirlo de cara a producciones más complejas y caras. En definitiva, aprender a construir historias eficientes con pocos recursos narrativos, ayuda a adquirir una fuerte experiencia en la gestión y el desarrollo coherente de las herramientas de producción al servicio de la obra.

Una sola trama con un solo personaje en una sola localización, plantea efectivamente un complejísimo reto a nivel creativo, pero también puede ser deseable a la hora de acometer el producto, ya que en teoría, y siempre y cuando las variables no lo justifiquen[6], abaratará costes de producción y simplificará los ya de por si difíciles tramites que requerirá el proyecto.

El triple one, es un modelo de creación y desarrollo que, ante su evidente apariencia de sencillez narrativa, se esconde una complejidad tan fascinante como impredecible. Ante todo, necesita una gran historia. Un relato casi perfecto, eficaz, original, de fuerte estructura y de una solidez argumental tan contundente como intuitiva. No caben en este formato evidencias de fallas en su construcción argumental, pues su sencillez estructural hará más visibles las costuras de su única trama.

La solvencia constructiva requiere en esta apuesta de una verdadera capacidad real para construir una trama sólida que evite fugas en el desarrollo. El espectador, debe estar atrapado en todo momento en la incertidumbre de la causa-efecto sin prejuicio de la verosimilitud, la cadencia y el ritmo del relato. Una sola trama en una sola localización con un solo sujeto protagonista, puede en consecuencia acelerar y concentrar toda la capacidad de producción del proceso técnico y económico, pero no por ello dejará de plantear los retos mínimos que se desprenden de toda producción audiovisual al uso.

Plantear la unidad como una variable argumental (1-1-1), no significa que sea de manera estricta e inamovible[7], pero si marca un camino de simplicidad que plantea un formato fascinante tanto en la parte creativa como en la parte comercial.

Este modelo, representado en algunos filmes paradigmáticos del mismo como “Locke”, “The phone booth”, o de manera más exacta en “Buried”, hace que deban agudizarse al máximo el rendimiento creativo y la capacidad de producción del equipo, pero si se consigue llegar a la resolución de la ecuación, se generan obras maestras de una calidad innegable y de una originalidad que puede llegar a presentarse como el mayor valor intrínseco a la misma producción. Una trama perfecta y sólida, un personaje bien construido y con un objetivo innegable y una localización rotundamente estética al mismo tiempo que funcional, son las claves del éxito de este formato de producción.

Decía Jean-Luc Godard que, para hacer una película, lo único que se necesita es una chica y una pistola, y la nueva predisposición del público a consumir narrativas más certeras, concretas y universales, hace que la concreción sea un valor en alza sin menospreciar las grandes producciones con complejas construcciones narrativas y logísticas.

Pero es evidente, que no existe un espacio seguro en el ámbito de la producción audiovisual de ficción, y menos a la hora de asegurarse una fuente fácil de rédito económico ya sea a través de elección del género y formato, o intentado asegurar la producción a costa de los gustos del público en función de las taquillas o el consumo predominante. La producción es imprevisible y está sujeta a la enigmática aventura de la incertidumbre, dos conceptos de extraordinaria valía a la hora de definirla y amplificar la idiosincrasia que da sentido a su existencia y su fascinante atractivo.

Adentrarse en el proceloso mundo de la producción de productos de ficción, es un camino inigualable, ante el cual, todo aquel dispuesto a aventurarse en él, debe saber que no encontrará la fórmula de inversión perfecta, donde hasta la apuesta más segura puede fracasar por factores imprevistos. Producir ficción es lo más parecido a la vida, que, con sus imprevistos, pueden llevarnos a descubrir los lugares más apasionantes de su anatomía a través de los fracasos más abrumadores y los éxitos más inesperados.

Aunque la industria de la producción cinematográfica es extraordinariamente susceptible a los cambios de gustos y modas, lleva más de cien años viviendo a base de toda clase de vaivenes propios del modelo de negocio y de los avances sociales y digitales de los que irremediablemente forma parte. Por ello, podemos decir que, aunque la producción de proyectos de ficción no es precisamente una opción profesional segura o una oportunidad infalible de inversión, siempre conlleva la inefable capacidad de seducir ante la posibilidad de que esta vez, con este proyecto, sigamos sin saber nada, pero volvamos a disfrutarlo todo.

Es posible que el triple one, bajo esa capa de esplendorosa sencillez, esconda el formato más complejo e inexplorado de la producción cinematográfica universal, pero cuando los astros se alinean y las variables encajan, se produce uno de los mayores milagros que nos sugiere la profesión.

Una buena trama, un buen personaje y una buena localización.

Quizás, sea todo lo que necesitemos para seguir sabiendo, que no sabemos nada.

REFERENCIAS

[1] Under the line / below the line

[2] Prints & advertisements

[3] https://stephenfollows.com/horrorreport/

Con más de 200 páginas, es el más extenso y preciso estudio de investigación sobre el mercado de la producción de cine de terror, donde tras un estudio de 18 meses, se calcularon las posibilidades de beneficio de este tipo de films.

[4] No se cuentan las producciones de menos de 500.000 dólares. Todas las películas de terror que se mencionan llegaron a los cines de Estados Unidos lo que suele significar que han sido adquiridas por un distribuidor estadounidense. Los datos tienen en cuenta todos los flujos de ingresos como salas de cine y televisión y todos los costes incluyendo publicidad y distribución.

[5] Término acuñado por el propio autor.

[6] De nada vale hacer un modelo Triple one para abaratar costes en rodaje, si se encarecen otras partidas como por ejemplo las acometidas por encima de la línea o una localización extraordinariamente cara o compleja.

[7] No es necesario ceñirse al triple 1 de manera estrictica, ya que podemos tomarnos alguna licencia que no desvirtúe la esencia del modelo, como por ejemplo añadir algún personaje o localización, siempre que esté justificado y que la esencia del modelo siga permaneciendo en su trama sin prejuicio de la misma.

Luis M. Ferrández es Doctor en Ciencias de la información por la universidad Complutense de Madrid. Como guionista y director es responsable de películas como “La pantalla herida”, 249, la noche en que una becaria encontró a Emiliano Revilla”, “Hemisferio” o “Clarividencia”. Ha trabajado como ayudante de dirección de varias películas además de desarrollar proyectos de cine y TV en varias productoras. Es analista de guiones con más de 50 proyectos asesorados en los últimos años. Actualmente es el coordinador del departamento de proyectos de ficción y documental en Chester Media. Compagina su carrera profesional con la docencia impartiendo formación relacionada con la cinematografía y la narrativa audiovisual.

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Producción de cine

¿Qué taquilla han hecho las nominadas a Mejor Película en los Premios Goya de este año?

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Como sabes «El buen patrón, «Libertad», «Madres paralelas», «Maixabel» y «Mediterráneo» son las 5 películas que compiten este año por hacerse con el Premio Goya a Mejor Película en la 36 edición de los galardones más importantes del cine español.

¿Cuál de todas ha ganado ya en taquilla?

Si analizamos los datos disponibles en la web del ICAA relativos al año 2021, vemos que 3 de las nominadas se encuentran entre las películas más vistas del año.

En concreto en cuarto lugar, solo por detrás de las comedias «A todo tren. Destino Asturias» y «Operación Camarón» y del thriller «Way Down», aparece la propuesta de Fernando León de Aranoa protagonizada por Javier Bardem con 3.3 millones de euros de recaudación y más de medio millón de espectadores.

Muy de cerca le sigue «Maixabel». La última película de Iciar Bollain terminó el año como la quinta película española más vista del 2021 superando el medio millón de espectadores y acumulando una recaudación de 2,8 millones.

Por su parte, las «Madres paralelas» de Almodóvar se situaron en sexto lugar con cuatrocientos mil espectadores y 2,6 millones de recaudación.

Más abajo, en el puesto número 15, lejos del grupo de películas que facturaron más de 1 millón en taquilla el año pasado encontramos «Mediterráneo», la película dirigida por Marcel Barrena, que acumuló 476 mil euros gracias a sus 77 mil espectadores.

Y por último, la producción más indie de entre las 5 nominadas, la preciosa ópera prima de Clara Roquet, claramente jugando en otra liga cerró el año en el puesto 42 con a penas 70 mil euros de recaudación y cerca de 12 mil espectadores.

En resumen, un acierto que los Académicos hayan sabido reconocer este año con sus nominaciones una combinación entre el cine más taquillero (dirigido por 3 tótems de nuestra industria) y el cine independiente más destacado. Algo que no ha ocurrido con los documentales como te contaba en este otro post.

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‘Spanish Screenings XXL’, el nuevo mercado internacional para la producción audiovisual española

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«Spanish Screenings XXL» es el nombre del nuevo mercado internacional de producción audiovisual española impulsado por el Ministerio de Cultura y Deporte, a través del ICAA, y el Ministerio de Asuntos Económicos y Transformación Digital, a través de ICEX, junto al Festival de Málaga y el Festival de San Sebastián y sus respectivos ayuntamientos.

Enmarcado en el Plan ‘España, Hub Audiovisual de Europa’, en realidad se trata de la fusión del mercado Spanish Screenings Content del Festival de Málaga y la iniciativa Zinemaldia & Technology del Festival de San Sebastián y se estructurará en cuatro grandes pilares:

  • ‘Spanish Screenings’ Content: Del 21 al 24 de marzo, se celebrará el mercado Spanish Screenings Content dentro del Festival de Málaga, tal y como se conoce en la actualidad. Ampliará su alcance a subsecciones como Talent, Adaptations, Remakes y a un Hub de nuevos contenidos audiovisuales para plataformas emergentes (desde podcast, pasando a Twich, TikTok y formatos alternativos y disruptivos). También buscará incrementar el número de invitados en un abanico más amplio de perfiles profesionales: agentes de ventas internacionales, fondos regionales, film offices/commissions, productores, distribuidores internacionales, talento, prensa. Creará un foro de Co-Producción, potenciará el encuentro de plataformas VoD, y lanzará la iniciativa Spain Colorful Diversity, para que las comunidades autónomas, a través de sus film offices y film commissions, presenten sus localizaciones y planes de apoyo a rodajes.
  • Spanish Screenings’ Financing & Tech: Por su parte el Festival de San Sebastián incluirá, del 17 al 25 de septiembre, jornadas de atracción de potentes inversores internacionales y representantes de talento. También se promoverá y pondrá en valor de las nuevas tecnologías aplicadas al audiovisual y el desarrollo I+D+i. Se trata de una continuación ampliada de la iniciativa Zinemaldia & Technology, que arrancó en 2018 como una apuesta del festival para posicionarse como referente para estrechar lazos entre tecnología y audiovisual, así como dar a conocer los nuevos avances tecnológicos y las oportunidades que generan para la creación y el negocio.
  • ‘Spanish Screenings’ On Tour: Con el objetivo de reforzar la marca Spanish Screenings internacionalmente, se llevarán a cabo acciones itinerantes dirigidas a la venta y promoción del audiovisual español en territorios estratégicos, como son Europa del Este y Asia. Además, promocionará los respectivos festivales, las ciudades donde se celebran y nuestra industria cultural en general.
  • ‘Spanish Screenings’ 360: Además, se promoverá establecer un mercado activo durante todo el año a través de una plataforma virtual de promoción y negocio.

 

¿Cuánto cuesta todo esto?

Según han informado desde el Gobierno, el proyecto Spanish Screenings contará con un presupuesto de 4,2 millones destinados a eventos en 2022 y 2023, que se articularán a través de subvenciones nominativas al Festival de Málaga y al Festival de San Sebastián. Además, se destinarán más de 3 millones de euros al desarrollo de la plataforma Spanish Screenings 360.

En paralelo, el Ministerio de Cultura y Deporte, a través del ICAA, desarrollará nuevas líneas de apoyo al sector dirigidas a incentivar la compra y distribución internacional de producciones españolas para la que han anunciado que van a destinar una dotación específica de 6 millones de euros.

Este presupuesto proviene de la dotación de 200 millones de euros que el componente 25 del Plan de Recuperación, Transformación y Resiliencia para reforzar el papel de España como hub audiovisual de Europa. De estos, 20 millones proceden del presupuesto del Ministerio de Cultura y Deporte, a través del ICAA, y 25 millones del presupuesto del Ministerio de Economía y Transformación Digital.

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Todo lo que tienes que saber para inscribir tu película en la próxima edición del Festival de San Sebastián

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El Festival de San Sebastián ha abierto el plazo de inscripción online para la preselección de las películas que quieran participar en alguna de las secciones que compondrán la programación de su próxima edición salvo para WIP Latam, WIP Europa y Nest, cuyas inscripciones serán objeto de convocatorias específicas en junio.

Recuerda que el plazo de admisión para la preselección terminará el 20 de junio de 2022 y que al igual que en años anteriores, a lo largo del proceso de inscripción se solicitará información sobre la identificación de género de las personas que trabajan en las películas en las categorías de dirección, producción, guión, montaje, fotografía, música y, a partir de este año, también sonido.

Consulta aquí toda la información sobre las normas generales de participación, reglamentos de las diferentes secciones y el formulario online para inscribir tu película en el Festival de San Sebastián que en 2022 se celebrará del 16 al 24 de septiembre.

Ten en cuenta que el Festival no hace distinciones entre ficción y no ficción y ambas opciones tienen cabida en cualquiera de sus secciones. Además, si tienes un proyecto en desarrollo puedes inscribirlo en el Foro de Coproducción Europa-América Latina e Ikusmira Berriak, siempre que cumpla los requisitos de inscripción.

La única sección en la que se pueden inscribir cortometrajes es en Zabaltegi – Tabakalera. Así mismo, si cuentas con un cortometraje realizado en tu escuela, podrás participar en Nest.

Los formatos aceptados para la preselección son Link/Screener con contraseña, DVD, BluRay y DCP.

Por cierto, no hace falta que inscribas tu película en más de una sección. Puedes hacerlo en cualquiera de las que conforman el Festival y será el comité de dirección quien determine el lugar idóneo para la misma. Tampoco te preocupes por el subtitulado. Las películas cuya versión original sea en español, euskera, inglés o francés no tienen que estar subtituladas. El resto sí.

Las tasas de inscripción por cada película para la preselección del Festival difieren en función del formato: Cortometrajes y/o mediometrajes 70 €; Largometrajes 100 €; DCP en soporte físico 150 € (21% IVA incluido), sea cual sea la duración; DCP con envío digital 200 €, sea cual sea la duración.

Por desgracia no hay descuentos en la cuota de inscripción por ser estudiantes. Sin embargo, si cuentas con un cortometraje realizado dentro de tu escuela puedes inscribirlo gratuitamente en la sección Nest. También son gratuitas las inscripciones para las secciones de WIP Latam y WIP Europa, así como para el Foro de Coproducción Europa-América Latina e Ikusmira Berriak.

Por último no olvides que algunas secciones del Festival de San Sebastián exigen que las películas se estrenen en el festival aunque con matices. El certamen entiende por:
  • «Premier mundial» aquella película que no ha sido mostrada públicamente nunca;
  • «Premier internacional» las películas que han sido estrenada en cines o presentada en un festival nacional en su país de origen, pero en ningún otro sitio;
  • «Premier europea» las películas que han sido mostradas o estrenadas en cines fuera de Europa, pero nunca ha sido presentada en un país europeo;
  • «Premier española» aquellas cintas que no han sido mostradas todavía en España;
  • «Sin premier» obviamente aquellos títulos que ya han sido presentados y/o estrenados en cines incluyendo en España (en ese caso, solo será posible incluirla en la sección Made in Spain o Zinemira Panorama).

El Festival recibe más de 2.500 películas cada año lo que le imposibilita entrar a valorar las razones de su decisión a la hora de seleccionar o no una cinta. Sin embargo aquellas películas que no han sido seleccionadas, recibirán un correo electrónico con la decisión en un periodo de 2 – 3 semanas después de haber recibido la película.

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