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Producción de cine

“Un buen videoclip no significa un videoclip caro”

Raul Gago, CEO de Neo3d Multimedia

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Raul Gago es el hombre detrás de Neo3d Multimedia, una productora audiovisual especializada en videolcips musicales y filmación de conciertos en HD con oficinas en Madrid y Valladolid. En los últimos años ha trabajado con artistas como Carvin Jones, Jimmy Barnatán, Chloe, XXX RottenCore, DMEI, Bicycle Thief, WE, Midnight, euphoria, o eLe De eMe.

El videoclip ¿es cine o publicidad?

Tiene un poco de los dos mundos. Es publicidad en cuanto a que su objetivo es la venta, la promoción de un single,y tiene un público target bastante definido. Y es cine en cuanto a que maneja un lenguaje que puede aproximarse al cine en muchos casos, especialmente en los videoclips “de historia”. Lo resumiría diciendo que es menos narrativo que el cine y más experimental y flexible que la publicidad, con menos “ataduras”.

¿Qué es lo más difícil a la hora de hacer un videoclip ?

Existen varias dificultades. La primera, aunque suene poco artístico decirlo, son los bajos presupuestos que generalmente se manejan en este género en España. Superado ese escollo, que por otro lado nos ayuda a agudizar el ingenio, quizá lo más complicado es entrar en sintonía con la canción, imaginar qué es lo que puede funcionar visualmente (y lo que no) para cada caso concreto. Cada proyecto es un reto, cada artista es diferente, cada canción es nueva…Pero eso también es lo bonito: comprobar que aquello que imaginaste funciona cuando empieza a tomar forma en la sala de montaje.

Por otro lado, existen multitud de condiciones impuestas por la compañía discográfica o por los artistas. Hay que conciliar muchos intereses y lograr un videoclip que guste a todas las partes implicadas y que además cumpla con los fines perseguidos. Cuantos más videoclips realizas más consciente eres de que tu trabajo es en gran parte tener la capacidad de conciliar intereses de diversa índole y materializarlos en el clip. Además te vuelves más exigente para intentar satisfacer a todas las partes que entran en juego. Es tu responsabilidad como creativo. Al menos en mi caso, así está siendo mi evolución como realizador de videoclips.

¿Los artistas suelen tener una idea clara de cómo tiene que ser su próximo videoclip ?

Depende, hay artistas con ideas muy claras. Otros por el contrario se dejan asesorar al 100%, esperando tus ideas y propuestas. A veces lo que te sugieren son simples directrices o pinceladas que tienen en mente…ideas ambiguas. Nuestra misión es darles forma y convertirlas al lenguaje audiovisual, logrando una pieza atractiva y realizable, tanto técnica como económicamente. Otras veces es la compañía discográfica o agencia de management la que tiene una idea o propuesta sobre el videoclip, y así nos lo hacen saber.

¿ Un videoclip puede estropear una buena canción y mejorar una canción horrenda ?

Es importante reflexionar sobre este aspecto. El videoclip es un género excesivamente abierto a la valoración subjetiva, debido a la componente musical inherente que tiene. Tendemos a minusvalorar o a decir “vaya m….. de video”, o por el contrario “es buenisimo”, en función de que nos guste o no la música del artista. También a veces ocurre que como no nos gustan los videos de historia, o bien aquellos que se basan en la puesta en escena del grupo tocando, pues tendemos a criticar ese tipo de videoclips o aquel otro. Lo interesante es plantearse el por qué se ha hecho eso y no otra cosa, ya que son decisiones meditadas y que obedecen a intenciones concretas.

Y respondiendo a la pregunta. Yo he hecho ese experimento varias veces. Buenos videos en canciones “mediocres” y lo contrario. EL resultado ha sido siempre el mismo por parte de la audiencia. El discurso audiovisual resultante es radicalmente diferente en función del video que acompaña a la canción. Un buen video dará un plus a una canción “floja”, o que simplemente no nos guste, consiguiendo un aporte muy positivo. Por otro lado, un mal videoclip puede hacer que una buena canción pierda fuelle.  La canción es la que es, buena o mala (si es que podemos ser tan tajantes como para afirmar algo así), el videoclip no la cambiará, pero indudablemente influirá en su percepción, ya sea a mejor o a peor.

¿Cuánto cuesta hacer un videoclip profesional ? ¿ Es caro ? ¿ Existen formas lowcost ?

Los precios son muy variables. Sería como preguntarnos ¿Cuánto cuesta un coche?. Hay videoclips muy económicos de rodar y de editar, otros muy complejos por postproducción o efectos visuales, otros con rodajes muy costosos, etc. La variedad es amplísima en función de la idea que se pretende realizar, el personal necesario para llevarla a cabo, los medios técnicos, las horas de edición, etc. Al nivel de artistas con un tirón comercial aún limitado, grupos noveles o bien primeros lanzamientos de discográficas, diría que no es demasiado caro realizar un videoclip con calidad profesional hoy en día. Todo dependerá de lo que
queramos hacer.

¿Si existen formas lowcost?…pues si. Puedes hacer videoclips muy dignos con presupuestos muy pequeños. Lo importante es tener un buen concepto o idea y realizarla correctamente. Para ello es importante contar con un equipo profesional y experimentado en el género del videoclip. En nuestro caso estamos muy satisfechos de haber realizado varios clips para bandas independientes de recursos limitados cuyos videoclips han “superado” la criba de canales como Sol Música o 40 TV/ 40 Latino, emitiéndose en dichas plataformas TDT a nivel nacional. Estos canales valoran los videos que se les presentan (salvo que sea de artistas ya consagrados) y deciden si son emitibles en su parrilla o no.

En el momento actual hay que adaptarse al presupuesto del proyecto que la compañía o el grupo te indica…y a partir de ahí les planteamos ideas y posibilidades. Especialmente nos gusta facilitar las cosas a los grupos independientes, que son los que tienen que costearse el clip de su propio bolsillo.

¿Cuanto se tarda en rodar un videoclip profesional ? ¿Cuántas personas trabajan ?

Pues también es variable en función de la idea a realizar y del presupuesto. En los niveles en los que nosotros solemos trabajar a día de hoy lo habitual es rodarlo en 1 o 2 jornadas, que además es lo habitual en España. El equipo “estándar” lo compondrían un realizador/director, un operador de cámara, el director de fotografía, un maquillador y un ayudante técnico. Este equipo básico “ideal” puede multiplicarse o disminuir en cada proyecto concreto. Algunos de los videoclips que hemos realizado los hemos hecho sólo entre 2 personas. En otros han intervenido más de 10, entre equipo técnico y actores.

¿Los músicos suelen ser buenos actores?

No siempre, aunque algunos lo son. Por eso es importante la labor del director, conocer y documentarse sobre el grupo, hablar con el artista, saber hasta dónde puede llegar y ayudarse con la planificación y el montaje. De esto pecan muchos videoclips noveles, de no poner límites a los músicos y de cierta falta de dirección en el rodaje. Los músicos también deben plantearse su función en el video, e ir a favor de la canción y del videoclip. No se trata de convertirnos en actores simplemente porque si. Yo prefiero un buen playback que una interpretación mediocre.

¿ Qué hay que hacer para ver tu videoclip en las televisiones especializadas ?

Pues lo primero es tener un buen videoclip, jaja, eso sin duda, y más importante, una buena canción. Y un buen videoclip no significa un videoclip caro o con una producción supercompleja, sino un clip que cumpla su función, original, y cuya calidad esté al nivel del resto de la parrilla y del mercado actual. En el caso de grupos noveles habitualmente los managers, agencias o compañías discográficas presentan el videoclip al canal en cuestión en el que desean promoción…y si les gusta y pasa su filtro…entra en programación, aunque en ocasiones suele haber tarifas establecidas. Actualmente también hay concursos para ello, como el que ofrece Sol Música a través de su web.

¿ Prefieres Youtube o Vimeo ? Internet ofrece mil posibilidades para promocionar un videoclip…

Youtube es el lugar “abierto”, el que contabiliza las visitas y la repercusión de un grupo o canción. Es la verdadera plataforma online para promocionar un videoclip. Vimeo es más serio, más cerrado, es la plataforma digamos “profesional” donde los realizadores y productoras colgamos nuestro trabajo, nuestra “bobina”.

Cualquier banda tiene actualmente una facilidad tremenda para promocionar sus videos, algo impensable en los años 80 o 90, cuando la única plataforma de emisión de videoclips eran las televisiones. Indudablemente una canción va a llegar a mucha más gente si tiene un videoclip asociado que se promocione correctamente en la web, por eso incluso los grupos o artistas más importantes siempre lanzan videoclips de sus singles. Hoy dia es una herramienta complementaria necesaria en el lanzamiento de una canción o de una nueva banda.

En tu productora Neo3D Multimedia también ofrecéis la opción de rodar conciertos en directo. ¿Qué crees
que llega mejor al público?

Son formatos diferentes, cada uno con unos fines concretos, son complementarios. El formato publicitario para la venta de discos (o de tracks online) es el videoclip, sin duda. Crea imagen de banda, puede convertirse en viral, etc. El concierto nos muestra a la banda en directo, sin artificios publicitarios .Lo veo más útil para promocionar la contratación de actuaciones o para la venta en DVD dirigido a los fans del grupo.

Licenciado en Comunicación Audiovisual, Master MBA y Master en Administración de Industrias Culturales. A lo largo de mi vida laboral he participado en la producción de diversos proyectos audiovisuales de televisión, publicidad, video digital y cine tanto en España como en Reino Unido, Perú y México. Desde 2018 trabajo en el departamento de producción de Morena Films (Madrid).

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Trailer de FORMENTOR EL MAR DE LAS PALABRAS, el nuevo documental dirigido por José Luis López-Linares

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El documental, que tendrá su estreno mundial en el Atlántida Film Fest, relata la relación del hotel con la cultura a través del testimonio de reconocidos artistas nacionales e internacionales enamorados del lugar como Mario Vargas Llosa, Lang Lang, Carme Riera, Gustavo Dudamel, Ainhoa Arteta, Jane Birkin o Roberto Calasso.

Atlántida Film Fest ha anunciado que acogerá el próximo sábado 1 de agosto en el Museu de Mallorca (Palma de Mallorca) el estreno mundial de FORMENTOR EL MAR DE LAS PALABRAS, el nuevo documental dirigido por el ganador de tres Premios Goya José Luis López-Linares, sobre el emblemático hotel ubicado en la bahía de Pollença.

El documental, rodado el año pasado principalmente entre España y Argentina, repasa la historia de este mágico rincón del Mediterráneo que desde que fue fundado hace 90 años por el poeta argentino Adan Diehl, ha sido punto de encuentro de los personajes más relevantes del siglo XX.

En sus habitaciones se han alojado por ejemplo Audrey Hepburn, Charles Chaplin, Dalai Lama, Winston Churchill, Grace Kelly o Rainiero de Mónaco, pero sobre todo escritores como Camilo José Cela, Carlos Barral, Robert Graves o Mario Vargas Llosa, quien escribió mientras estaba alojado en el hotel una de sus novelas más recordadas.

FORMENTOR EL MAR DE LAS PALABRAS, que también estará disponible en la plataforma de streaming Filmin durante todo el mes de agosto en la vertiente online del Festival, pone el foco sobre todo en la relación del hotel con el mundo de la cultura a través del testimonio en primera persona de artistas enamorados del lugar como el pianista Lang Lang, el director de orquesta Gustavo Dudamel, la actriz y cantante Jane Birkin, la soprano Ainhoa Arteta y escritores como Roberto CalassoAnnie Ernaux, Carme Riera o el propio Mario Vargas Llosa, entre muchos otros más.

El sábado 1 de agosto, antes de la proyección del documental en el Museu de Mallorca, el Festival ha programado un conversatorio entre el director del documental José Luis López-Linares y la académica de la R.A.E. Carme Riera – quien publicó en 2009 el libro sobre el hotel “Formentor, la Utopía posible” – moderados por la documentalista Lucia Garau.

FORMENTOR EL MAR DE LAS PALABRAS es una producción de Barceló Hotel Group que cuenta con producción ejecutiva de Morena Films y distribución de Mosaico Filmes. Producido por Juan Gordon y Rodrigo Espinel, el guion está firmado por José Luis López-Linares, Cristina Otero y Luis Acebes mientras que Pablo B. Guzmán y Cristina Otero han realizado el montaje.

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Estos son todos los tipos de documentos que vas a utilizar en un rodaje

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Originalmente publiqué este post como un hilo en mi perfil de Twitter @nacho_scav

Por petición popular, hoy vamos a hablar de esos papeles que nos hacen la vida tan fácil en una producción, ya sea cine, televisión o publicidad. Odiados por unos, amados por otros. ¿Qué documentos se usan en un rodaje?

En un rodaje hay muchos departamentos luchando porque todo lo que sale escrito en el guión llegue a la pantalla, dentro del presupuesto asignado y en un tiempo determinado (siempre poco).

La organización es indispensable para conseguirlo y estos documentos son clave:

  • GUIÓN Sin guion no hay película, ni serie ni nada. El guion literario cuenta la historia que se verá en pantalla. Y la cuenta de modo que los jefes de equipo se la puedan imaginar. Si el guionista piensa algo pero no lo escribe, es difícil que estos le lean la mente. Como todo documento, tiene unos parámetros concretos: un guion se escribe en tipografía Courier New a tamaño 12. Esto es así porque se ha estandarizado que 1 página de guion equivale a 1 minuto en pantalla, así podemos medir cuánto durará una secuencia. Echa un ojo a este post del blog de The Filmarket Hub para saber más sobre esto.
  • HOJA DE DESGLOSE Este documento es como una biblia. Cada secuencia se desglosa separando las necesidades de cada departamento, así cada uno sabe lo que se requiere exactamente de él. Qué atrezo se necesita, cuántos actores hay, si hay algún vestuario especial, figurantes… Además, se desglosa información básica: si la secuencia transcurre en día o noche; en interior o exterior; qué personajes hay y cuánto dura. Esto último lo hacemos dividiendo la página en 8 partes a las que llamamos «octavos», por tanto una secuencia de media página dura 4/8.

  • PRESUPUESTO ¡Sorpresa! Rodar una película es MUY caro, por eso cada gasto está pensado al céntimo. Aunque sólo unos pocos llegan a verlo, todo el equipo se rige por este documento, que dicta cuántos días se puede rodar, con qué material, cuánta gente de equipo puede haber… En el cine español nos regimos por la -desfasada- plantilla presupuestaria del ICAA, dividida en 12 capítulos (equipo técnico, artístico, material de cámara, escenografía, metros de celuloide…) y que se trabaja en Excel. Podéis descargarla aquí. En EEUU utilizan un programa llamado Movie Magic Budgeting y ordenan sus presupuestos de una manera diferente y bastante simple. Dividen los gastos en 2 tipos: «above the line» (actores, director, productores) y «below the line» (técnicos, material, arte…).
  • PLAN DE RODAJE Se trata de un calendario que marca qué secuencias se van a rodar cada día y cuántas páginas. Es como un puzzle de 1000 piezas que nunca puedes terminar porque siempre se pierde alguna. Fechas de actores, localizaciones que se caen… Está en constante cambio. ¿Y cuántas páginas se ruedan en un día? Pues depende del tipo de rodaje. En cine suelen ser 3. En series estándar entre 5 y 7, y en series diarias pueden rodar entre 20 y 30 páginas diarias. ¿Os acordáis de los octavos? No os fiéis de ellos. El plan está compuesto por «tiras». Cada tira es una secuencia, con parte de la información del desglose que se puede mover de un día a otro según los cambios que surjan. Además, cada color significa algo distinto: el amarillo es exterior día, el azul oscuro es interior noche… El plan de rodaje se elabora en un programa llamado Movie Magic Scheduling, pero cada día hay más opciones nuevas.
  • LISTA DE EQUIPO Con el equipo técnico es sencillo pero indispensable. Una lista separada por departamentos con los nombres y apellidos de todos los técnicos de la producción, con su teléfono y su email, para que se les pueda contactar sin problemas. Echa un ojo a esta plantilla. El listado de equipo artístico es diferente. Contiene información de todos los intérpretes incluyendo nombre, teléfono, dirección, tallas de ropa, quién es su representante, si tienen alguna alergia o intolerancia, conflictos de fechas… Guardadlo como oro en paño.

  • ORDEN DE RODAJE Tu tesoro. Tiene toda la información sobre la jornada. Dónde rodamos, qué secuencias, los personajes que intervienen y todas las necesidades de cada departamento. También aparecen los horarios de citación de técnicos y actores. La orden la confecciona el 2º ayte. de Dirección y tiene que tener el OK del jefe de Producción y del 1er ayudante. Si no, no se le entrega a nadie. Otra máxima: todo lo que tenga que estar en rodaje tiene que aparecer en la orden. Si no aparece, es como si no se hubiera pedido.

  • PARTE DE PRODUCCIÓN Cuando termina un día de rodaje Producción hace un parte de lo acontecido ese día. ¿Se han rodado todas las secuencias? ¿A qué hora hemos cortado para comer? ¿Ha habido horas extras? Una cosa es lo que ponía en la orden y otra lo que ha pasado de verdad. Este es uno de los documentos más personales. Cada persona que conozco lo hace de una manera distinta, pero este sería un buen ejemplo de la información que tendría que tener:

  • STORYBOARD Seguro que muchos ya estabais pensando en él. Sí, es cierto que es uno de los documentos más conocidos, pero la realidad es que, si existe, casi nunca se le reparte al equipo. Es una herramienta más para el director/a. Este es de mi primera peli:

Y estos serían los principales papelajos. Luego cada departamento tiene los suyos: hojas de raccord (vestu/maqui), partes de dirección, los shootings en publi… todos influyen en la organización del rodaje y en la optimización del tiempo, que es nuestro recurso más valioso.

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Emiliano Piedra, el productor español de Orson Welles

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¿Sabias que un madrileño fue el productor de la mítica «Campanadas a medianoche» de Orson Welles?

Se trata del gran Emiliano Piedra Miana, posiblemente uno de los productores más relevantes de la historia del cine español del que creo que podemos aprender 3 cosas:

  • Piensa en grande. Apuesta sólo por proyectos ambiciosos. ¿Quien dijo «no se puede hacer algo así en España»?
  • Se creativo a la hora de financiar tus películas. ¿Y si la solución pasa por crear una productora en Suiza?
  • No te rindas. La vida da muchas vueltas. Emiliano empezó en el mundo de la distribución y saltó al de la exhibición antes de terminar en el de la producción.

Nacido en Madrid en 1931 y huérfano de padre, a los diecisiete años empezó a trabajar en la distribuidora Magister Film. Tras recorrer muchos pueblos del centro de España (sobre todo en la provincia de Cuenca) como proyeccionista ambulante, en 1952 apostó por la fabricación y venta de proyectores de 16 milímetros hasta que en 1957 fundó, junto a José López Brea, su propia distribuidora, Brepi Films.

Tres años después, en 1960, comenzó a producir de la mano de Producciones M.D., la productora propiedad de la actriz Marujita Díaz y gestionada por el productor venezolano Espartaco Santoni, siendo nombrado dos años después presidente de la compañía. Aunque ese mismo año de 1962 fundó con el apoyo inicial del citado Santoni la productora Internacional Films Española.

Y precisamente su primer gran proyecto «Campanadas a medianoche», escrita y protagonizada por el mítico Orson Welles, adaptación de la serie de obras de William Shakespeare que tienen como personaje común a Falstaff.

En 1964 Welles había conocido a español Emiliano Piedra, se habian hecho amigos y querían trabajar juntos. Tal y como relatan en la página de la película en Wikipedia, Piedra no tenía claro que una película basada en una obra de Shakespeare fuera lo suficientemente comercial y propuso a Welles hacer en su lugar una versión de «La isla del tesoro». Welles estuvo de acuerdo, con la condición de poder hacer simultáneamente «Campanadas a medianoche». Lo que no sabía Piedra es que en realidad Welles nunca tuvo ninguna intención de hacer realmente «La isla del tesoro» aunque habilmente Welles utilizó en la preproducción el truco de construir decorados que se podrían utilizar en las dos películas y también hizo pruebas a los actores para las dos películas.

Según cuentan en esta entrada de la web de la Real Academia de la Historia, el presupuesto inicial de 800.000 dólares se vio rápidamente desbordado y Piedra se vio obligado a buscar financiación suplementaria, que fue aportada primero por Alfredo Matas y, ya en fase de posproducción, por el británico Harry Saltzman, a quien no le iban nada mal las cosas gracias a la serie de James Bond.

La película se rodó en localizaciones de Colmenar, Madrid, Pedraza, Soria y el Pais Vasco entre septiembre de 1964 y abril de 1965, con una pausa en el rodaje desde finales de diciembre hasta finales de febrero mientras buscaban financiación adicional.

A nivel de producción, una de las curiosidades más reseñables fue la iniciativa de Piedra de registrar en Zúrich una productora fantasma para presentar la película como coproducción hispano-suiza para poder justificar la presencia masiva de elementos extranjeros entre técnicos y actores.

La versión española se estrenó en Barcelona el 22 de diciembre de 1965 con muy buena acogida por parte de la crítica, que alabó unánimemente el esfuerzo que suponía una obra de tan alto nivel artístico por parte de un productor español. En el extranjero por contra no corrió la misma suerte. Aunque hoy en día está considerada como uno de los mayores logros de Welles e incluso el propio director decía que era su mejor obra, tras su estreno en el Festival de Cine de Cannes en mayo de 1966 inicialmente fue despreciada por la crítica.

Sin embargo, desde el punto de vista económico, la película supuso la bancarrota para Internacional Films Española, que no produjo ninguna película más.

Más tarde, siguió apostando por proyectos ambiciosos entre los que destacan dos adaptaciones de clásicos de la literatura española del siglo XIX, «Fortunata y Jacinta» y «La Regenta», protagonizadas ambas por su mujer, la actriz Emma Penella.

Ya en 1980 construyó los céntricos Cines Luna, dedicados a exhibición de películas en versión original, trasladando las oficinas de su productora al último piso del edificio, desde donde produjo la trilogía musical que unió a Carlos Saura y Antonio Gades en «Bodas de sangre» (1981), «Carmen» (1983) y «El amor brujo» (1986).

Finalmente, tras producir en 1988 la película «Berlin Blues» de Ricardo Franco, se embarcó en la producción de una completa adaptación del Quijote para TVE escrita y dirigida por Manuel Gutiérrez Aragón de la que sólo se pudo ver completada la primera parte antes de fallecer en 1991.

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