Producción de cine
Cómo defender tu película en una reunión
Tener un buen guion no basta para conseguir que una película se haga. En un pitch hay que lograr que quien escucha entienda rápidamente qué tiene de especial el proyecto, pueda imaginar la película terminada y confíe en que el equipo sabrá llevarla a la pantalla.
No se trata simplemente de contar el argumento. Un buen pitch combina historia, emoción, visión creativa y viabilidad. Debe despertar interés, pero también transmitir que detrás del proyecto existen decisiones concretas y una estrategia realista.
Investiga a quién tienes delante
Una misma presentación no funciona para todos. Una televisión, una plataforma, un coproductor, un distribuidor o un inversor pueden interesarse por aspectos diferentes de la película.
Antes de la reunión conviene conocer qué proyectos impulsa nuestro interlocutor, qué géneros encajan en su línea y qué papel podría asumir. No hay que modificar artificialmente la película, sino destacar los argumentos más relevantes para esa conversación.
Un coproductor querrá conocer el presupuesto, la financiación confirmada y los territorios disponibles. Un distribuidor prestará atención al público y al potencial comercial. Una televisión valorará su encaje editorial. Cuanto más específica sea la presentación, más fácil será mantener una conversación útil.
No te limites a resumir la trama
Uno de los errores más frecuentes consiste en dedicar casi todo el pitch a relatar lo que sucede en el guion. La historia es importante, pero quien escucha también necesita entender qué película verá.
El pitch debe transmitir el tono, el género, la propuesta visual y la experiencia que tendrá el espectador. No basta con utilizar palabras como “emocionante”, “original” o “cinematográfica”. Resulta más eficaz describir decisiones concretas que permitan imaginar una escena, una atmósfera o la relación entre los personajes.
El protagonista debe ocupar el centro. Hay que explicar quién es, qué desea, qué se lo impide y qué puede perder. También conviene mostrar su transformación: cómo los acontecimientos lo obligarán a cambiar y qué recorrido emocional propone la película.
Explica por qué necesitas contarla
La conexión personal del director, guionista o productor con el proyecto puede ser uno de los elementos más poderosos de la presentación.
No es necesario tener una experiencia idéntica a la del protagonista, pero sí explicar qué pregunta, preocupación o emoción convierte esa historia en algo propio. Esa relación ayuda a diferenciar el proyecto y permite hablar de él con mayor autenticidad.
Sin embargo, la pasión debe estar acompañada de control. Si el guion incluye numerosas localizaciones, un reparto amplio o secuencias técnicamente complejas, hay que demostrar que se han estudiado sus consecuencias económicas y productivas.
El objetivo es transmitir tres ideas: sabemos qué película queremos hacer, entendemos por qué merece existir y conocemos las dificultades que implica producirla.
Define para quién es la película
Decir que una película está dirigida a “todo el mundo” suele ser una mala respuesta. Cada proyecto conecta con unos espectadores por su género, sus temas, su reparto o su propuesta formal.
Definir el público no significa limitar las posibilidades de la obra, sino identificar dónde puede encontrar una audiencia. También permite pensar qué festivales, distribuidores, televisiones, plataformas y territorios tienen mayor afinidad con ella.
No es imprescindible tener cerrada toda la estrategia de lanzamiento, pero sí demostrar que existe una reflexión sobre la vida comercial de la película. Quien escucha no solo quiere saber si la historia funciona, sino también qué posibilidades tendrá cuando esté terminada.
Utiliza materiales que ayuden a imaginarla
Un dossier, un moodboard, un teaser conceptual o una prueba de tono pueden resultar decisivos cuando la propuesta es difícil de explicar únicamente con palabras.
Pero los materiales visuales no deberían ser una colección de imágenes bonitas. Cada referencia debe comunicar algo concreto: el tratamiento de la luz, la escala de producción, las localizaciones, la paleta de color, la puesta en escena o el aspecto de los personajes.
Los materiales tienen que reducir la distancia entre el proyecto escrito y la película imaginada. Si necesitan demasiadas explicaciones o transmiten una escala distinta a la del presupuesto, pueden generar más dudas de las que resuelven.
Habla también de producción
Aunque el pitch sea principalmente creativo, tarde o temprano aparecerán preguntas sobre el presupuesto, el reparto, el calendario y la financiación.
La escala económica debe resultar coherente con el guion, el mercado potencial y la experiencia del equipo. Si existe una secuencia especialmente cara o una localización complicada, conviene explicar por qué es necesaria y cómo se piensa abordar.
Tener un presupuesto reducido no es necesariamente una debilidad. Puede convertirse en una fortaleza si responde a un diseño de producción consciente y concentra los recursos en aquello que realmente aparecerá en pantalla.
La confianza no nace de fingir que todo está resuelto, sino de demostrar que se conocen las necesidades del proyecto y que se han tomado decisiones para hacerlo viable.
No escondas los puntos débiles
Casi todos los proyectos tienen algún elemento que puede generar dudas: una financiación incompleta, un casting todavía abierto, un presupuesto elevado, una ambientación compleja o un director que afronta su primer largometraje.
Si la dificultad resulta evidente, intentar esquivarla suele ser contraproducente. Es mejor reconocerla y explicar qué estrategia existe para resolverla.
Un director novel puede rodearse de un equipo técnico experimentado. Una película con un público específico puede tener un recorrido internacional bien identificado. Una producción ambiciosa puede plantearse por fases o buscar socios especializados.
Nadie espera que todo esté cerrado durante el primer pitch. Sí se espera que el equipo sea consciente de los riesgos y haya comenzado a trabajar sobre ellos.
Ensaya sin convertirte en un robot
No hace falta ser un gran showman para presentar bien una película. La clave está en encontrar una forma de comunicar que resulte natural y mantenga la atención.
Ensayar permite controlar el tiempo, detectar explicaciones confusas y eliminar información secundaria. También ayuda a anticipar preguntas sobre presupuesto, reparto, público o financiación.
Pero el pitch no debe sonar como un texto recitado. La reunión es una conversación y puede desviarse hacia el aspecto que más interese al interlocutor. Hay que escuchar, observar sus reacciones y estar dispuesto a abandonar la presentación prevista si surge una oportunidad más relevante.
El objetivo no es llegar obligatoriamente hasta la última diapositiva, sino conseguir que la otra parte quiera continuar hablando de la película.
Termina con una petición concreta
Un pitch puede resultar atractivo y, aun así, terminar sin consecuencias si no se explica claramente qué se está buscando.
La petición puede ser financiación, coproducción, distribución, ventas internacionales, la incorporación de un actor, una carta de interés o simplemente una segunda reunión. Debe ser concreta, proporcionada al estado del proyecto y coherente con el papel que puede asumir el interlocutor.
Un buen pitch no siempre obtiene un sí inmediato. A veces su verdadero éxito consiste en conseguir que alguien lea el guion, solicite el presupuesto o convoque una nueva conversación.
La mejor presentación no es necesariamente la más espectacular, sino la que transmite mayor coherencia entre la historia, el tono, el equipo, el presupuesto y el público. Cuando todas esas piezas apuntan en la misma dirección, la película deja de parecer solo una buena idea y empieza a percibirse como un proyecto que realmente puede hacerse.
Producción de cine
Madrid celebra el Día Mundial de la Animación con grandes referentes nacionales e internacionales del sector
La Comunidad de Madrid celebrará del 26 al 29 de octubre de 2026 el Día Mundial de la Animación con una programación que reunirá a algunas de las figuras más destacadas de la industria de la animación nacional e internacional. Las actividades, de acceso gratuito, se desarrollarán en la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España y la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, con el objetivo de visibilizar el sector, compartir experiencias profesionales y conectar a las nuevas generaciones de creadores con referentes de la industria.
La programación arrancará el lunes 26 de octubre en la Academia de Cine, con una jornada que contará con la participación de Hisko Hulsing, director de Danse macabre; la productora japonesa Eiko Tanaka, fundadora de Studio 4°C; Carlos Tschuschke, de Able & Baker; Lorena Booth, de Studio 100 Film, y Sergio Pablos, fundador de The SPA Studios y creador de Klaus. La jornada concluirá con una proyección de una selección de los mejores cortometrajes del Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy 2025.
El martes 27 de octubre, la Academia de Cine continuará acogiendo encuentros profesionales dedicados a cuestiones como la distribución cinematográfica en el mercado estadounidense y el papel de las mujeres en la historia de la animación española. La jornada incluirá también una proyección del largometraje de animación La violinista.
El miércoles 28 de octubre, la programación de la Academia contará con profesionales como Raúl Rocha, productor del cortometraje El fantasma de la Quinta; Enrique Gato, responsable de la exitosa saga Tadeo Jones; Raúl García y Paloma Mora, de TV On Producciones, y Andrés Bedate, que abordará el trabajo de efectos visuales desarrollado para la serie Stranger Things.
Ese mismo día, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando acogerá un encuentro dedicado al proceso creativo de Decorado, película galardonada con el Premio Paul Grimault en Annecy 2026, con la participación de Chelo Loureiro e Iván Miñambres y la moderación del cineasta Manuel Gutiérrez Aragón.
La programación concluirá el jueves 29 de octubre en esta última sede con una nueva proyección de La violinista, seguida de un coloquio con su codirector Raúl García y el cineasta Pablo Berger.
El Día Mundial de la Animación conmemora la primera proyección pública del Théâtre optique de Émile Reynaud, celebrada en París en 1892, considerada uno de los antecedentes fundamentales del cine de animación.
Todas las actividades son gratuitas, y la programación busca acercar al público y a los profesionales las diferentes disciplinas que conforman la industria de la animación, desde el desarrollo creativo y la producción hasta la distribución internacional y los efectos visuales.
Producción de cine
El Festival de Cine Europeo de Sevilla abre el plazo de acreditaciones para su próxima edición
El certamen, que se celebrará del 6 al 14 de noviembre de 2026, ofrece tres modalidades de acreditación dirigidas a periodistas, profesionales gráficos y representantes de la industria cinematográfica. Las solicitudes podrán presentarse hasta el próximo 21 de octubre.
El Festival de Cine Europeo de Sevilla (SeFF) ha abierto el plazo de solicitud de acreditaciones para su 23ª edición, que tendrá lugar del 6 al 14 de noviembre de 2026. Los profesionales interesados podrán tramitar sus solicitudes hasta el miércoles 21 de octubre a través de la página web oficial del certamen.
La organización ha establecido tres modalidades de acreditación, adaptadas a los diferentes perfiles profesionales que participan en el festival: prensa, prensa gráfica y profesionales de la industria audiovisual.
La acreditación de prensa, de carácter gratuito, está destinada a periodistas de medios escritos y digitales, agencias de noticias, televisiones, radios y publicaciones especializadas. Permite acceder a las proyecciones, ruedas de prensa y actividades paralelas del festival.
Por su parte, la acreditación de prensa gráfica, también gratuita, está dirigida a fotógrafos y operadores de cámara. Facilita el acceso a ruedas de prensa, photocalls, presentaciones y encuentros con cineastas, aunque no incluye la asistencia a las proyecciones cinematográficas.
Finalmente, la acreditación profesional, con un coste de 35 euros, está destinada a los representantes de la industria cinematográfica. Esta modalidad permite acceder a las actividades del programa profesional que no requieran inscripción previa, así como canjear entradas para un máximo de 30 películas de la programación.
Solicitudes abiertas hasta el 21 de octubre
Las acreditaciones son personales e intransferibles y están sujetas a disponibilidad, por lo que la presentación de una solicitud no garantiza su concesión. El festival comunicará por correo electrónico la resolución de las solicitudes antes del 26 de octubre.
Asimismo, ninguna de las modalidades permite acceder a la gala inaugural ni a otros eventos especiales, para los que será necesario disponer de una invitación o entrada específica.
El procedimiento de solicitud se realiza exclusivamente online y requiere adjuntar la documentación correspondiente a cada modalidad en el momento de la inscripción.
Los interesados pueden tramitar sus solicitudes a través de los siguientes enlaces:
Para consultas relacionadas con el proceso de acreditación, la organización ha habilitado el correo electrónico acreditaciones@festivalcinesevilla.eu.
Ya está en marcha el rodaje de Crimen en España, la nueva serie original de atresplayer, una ficción de cinco episodios protagonizada por Macarena García y Belén Barenys que combinará thriller, terror psicológico, fantasía y elementos oníricos para acercarse a la relación entre la sociedad española y la cobertura mediática de la violencia.
La serie está dirigida por Claudia Costafreda y creada por María Bastarós, y su rodaje se desarrolla entre Lanzarote y Barcelona. Se trata de una producción de Buendía Estudios Canarias, con la colaboración de Suma Content y la participación de Atresmedia.
Una periodista, unas adolescentes desaparecidas y la fascinación por el crimen
La historia estará protagonizada por Gema, interpretada por Macarena García, una periodista especializada en sucesos que atraviesa una crisis vital y encuentra una oportunidad para crecer profesionalmente cubriendo el caso de unas adolescentes desaparecidas.
Su investigación la llevará hasta el pueblo de las jóvenes, donde conocerá a Aina, interpretada por Belén Barenys, una chica perseguida por sus propios demonios. A partir de ese encuentro, ambas emprenderán una huida hacia delante que permitirá a la serie explorar desde dentro nuestra relación con la violencia y, especialmente, con la manera en la que los medios la convierten en relato y espectáculo.
Con sus dos protagonistas como hilo conductor, cada uno de los cinco episodios mezclará el thriller con el escenario fantástico, el terror psicológico, la metáfora y el ensueño, alejándose así de una aproximación convencional al género criminal.
Un potente reparto para acompañar a Macarena García y Belén Barenys
Junto a sus dos protagonistas, Crimen en España contará con un amplio reparto en el que figuran Ana Torrent, Julián Villagrán, Mónica Cruz, Adelfa Calvo, Milo Quifes, Jedet, Daniel Ibáñez e Itsaso Arana, entre otros.
En el apartado de producción ejecutiva figuran Ignacio Corrales, Mariano Piñeiro y Andrea H. Catalá, mientras que Montse García, directora de Ficción de Atresmedia, participa también en el proyecto.
La producción cuenta además con una importante presencia de profesionales y empresas asociadas a APPA. Eugenio Pérez participa como director de producción de Buendía Estudios, mientras que Cinetools se ocupa de consumibles; Energy Services, de grupos electrógenos; Silleras y MRG, de servicios jurídicos y asesoramiento; Willco, de gestión de producción; y Easy4you, de gestión de personal.
Una nueva colaboración con Suma Content
Crimen en España supone además un nuevo capítulo en la relación entre atresplayer y Suma Content, la productora fundada por Javier Calvo y Javier Ambrossi.
Ambas compañías ya han colaborado en títulos como Veneno, Cardo o Mariliendre y anunciaron el pasado mes de junio dos nuevos proyectos conjuntos: Las Vecinas y la propia Crimen en España.
Con esta última, atresplayer vuelve a apostar por una ficción española que utiliza los códigos del género para abordar un fenómeno muy reconocible de nuestro presente: la fascinación colectiva por los crímenes, su transformación en contenido y la compleja frontera entre informar sobre la violencia y convertirla en espectáculo.
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